浅析卓别林无声电影的音乐之旅-电影论文

　　电影音乐的发展历史

　　电影音乐与电影的发展一样，都走过了漫长的路程，在无声电影时代就有音乐伴奏。那时候在放映电影时请一位乐师坐在银幕边上，根据电影情节进行演奏或者演奏现成的曲子。那些提供现场演奏的曲目，基本上都与电影的画面没有直接的关系，钢琴乐谱基本上都是已谱写完成的现成作品。1907年，法国作曲家圣一桑应邀为影片《吉斯公爵被刺记》作曲，他也就成为创作电影音乐的先驱。在商业影片中经常运用爵士音乐、流行音乐的风格，这些电影的内容往往轻松活泼。后来电影音乐逐渐兴起后，还出现了所谓“好莱坞”式的配器风格，比如：抒情乐段常用弦乐器在高音区演奏主旋律，铜管乐器常用密集的块状和声排列，演奏号角般的长音，木管乐器使用混合音色叠加在弦乐声部上。

　　卓别林是20世纪享誉世界的伟大电影艺术家。他的创作跨越无声电影和有声电影两个时代。要说他的无声影片，影响较大的主要有：《狗的生涯》《孩子》《从军记》《城市之光》《摩登时代》等。卓别林对电影艺术有着不朽奉献，在卓别林的每一部影片中，都会有一个主题旋律，它们常常在影片一开始就随着人物形象的出现贯穿始终，结合许多散落在影片其他地方的不同音乐段落，生动表现出画面中的人物肢体语言和情绪变化。纵观卓别林一生拍摄的80多部影片，都具有深刻的思想性和揭露批判精神，因而显示出强大的号召性。卓别林曾这样说过：“在我的整个影片中，音乐和主旋律将变成动作的主要基础，和戏剧性表演本身具有同等的重要性。”尽管有声电影在当时已经流行起来，但是默片艺术家们还需要一段时间来适应并进行观念的过渡。在这一时期，卓别林坚决反对声音进入电影，但他却在影片中为后人留下了大量的、极富喜剧效果的电影音乐，经典传奇。

　　卓别林无声电影中的电影音乐的分析

　　所谓“无声电影”并不是没有一切声音，它是伴有音乐来表现情节发展和人物情绪的。当时的影片没有音效声，环境声和对白，音乐就成为弥补视听缺陷的特有方法，最常用的作法就是以管弦乐的强音来表示打击声、摔门声、关窗户声或打雷声等；至于人物对白的部分，多以乐器演奏的形式和配合字幕的展示来呈现情节，例如男女主角互诉衷情时配上某段经典歌剧里的二重奏来表现爱慕之心。这种以音乐来替代声音的情形，就成了当时让人们接受电影的惟一方式。对此，德国电影学家汉斯艾斯勒曾有一段独到的解释：“音乐正足以当作影像的解药，因为观者目睹近乎真实世界的一切活动时，却听不到一点相对应的真实声响，必然引发感官上的不适应……因此音乐不只用来填补影像所欠缺的真实生命感，更可以解除观众在看影片时所产生的不适应以及恐惧。”正如人类通常的感觉和情感表达必然是和视听同时进行的，没有了音乐的电影，就如同一个没有灵魂的人，给人的感觉是不完整的，别扭的。正如汉斯艾斯勒所说，电影音乐并不是导演或者某一个天才的突发奇想，它是那么自然的出现，是观众欣赏电影的需要，是电影的一个不可或缺的组成部分。正是音乐让多彩多姿的电影画面变得更有说服力，更让观众有身临其境的感受，让电影中情节和情感的表达顺水推舟。

　　“当语言不能到达时，音乐就出现了。”电影音乐在配合人物表情和剧情表现上，充分发挥着自己独特的魅力。喜剧大师卓别林早期的电影大都是有音乐伴奏的，尽管在默片时代，为电影编排的音乐十分幼稚十分简单，在影片中的地位和功能往往处在很低的层次上，但是我们不可否认，在电影之初，音乐就如影相随而且不可缺少。今天，我们要进入的就是喜剧大师卓别林的电影音乐之中。

　　卓别林的无声电影虽然没有对白，但是演员的肢体表演辅助每个情节发展时特有的一些字幕，形成流畅简洁的无声语言，一看就懂。他的影片的另一种重要的语言就是音乐，卓别林为自己的很多影片编制各种风格的音乐，音乐往往贯穿影片始终。而且，曲调、节奏、色彩与画面反映的环境和情节、人物心理完美配合。卓别林的早期配乐节奏明快、逗趣，看似漫不经心的情节主题下却搭建着复杂的结构。在他的早期电影中，可以看出他对于电影表现手法的不断摸索。卓别林很早就注意到音乐在电影中的表现，并利用音乐来描绘场景，并进行时空的过渡。例如在影片《狗的生活》中，一环接一环，环环相扣，而且每个情节高潮的连接都产生了内在的关联性，片中的每一个场景都有音乐的伴奏，不论是从两名抢劫犯手中夺回钱包，还是众人哄抢扭打成一团，甚至警察加入到混战之中时的搞笑神态，以及流浪汉和歌女埃德娜、流浪狗“斯凯普”幸福生活在一起的轻快节奏，那种跳跃的音符穿插人物的表情，表现得淋漓尽致，而且都在风格迥异的同时衔接流畅的音乐旋律，串联在一起，整体上一气呵成。

　　在卓别林的每一部经典影片中，都会有一个主题旋律，要么诙谐，要么欢畅，要么舒缓到悲伤或者是激情到悲壮，每一个场景每一段音乐每一个音符都如同钉子，把电影的主题紧紧地连接在一起。那些主题旋律常常在影片一开始就出现并贯穿始终，或结合许多散落在影片其他地方的不同音乐段落，或改变配器，生动表现出画面中的人物肢体语言和情绪变化。如《发薪日》中的主题曲由两组管乐轮奏，在逐渐变调上升的行进中汇聚到一起，呈现出工地里忙碌的节奏。忽然，曲风在飘忽委婉的弦乐中发生改变，手执鲜花扭捏躲闪的夏尔洛登场了——这是一个卑微但富有生气的建筑工人。旋律继而在工头由困惑不解变为严厉呼喝的神情中回到主题，为人们展现出夏尔洛和工人们如杂技般紧凑而有序的工作场景。漂亮女人的出现，使得两段不同风格的音乐开始交替更迭，并通过建筑工地中的道具，描绘了一段令人惊奇而又忍俊不禁的午餐休息时光。

　　卓别林创作的音乐，能完全融入到电影的氛围中，在影片风格、情景片段的内在、长短，演员心理的起伏、转变等方面，都烘托得尽善尽美。在卓别林的电影观念和喜剧影像中，我们初探了默片时期电影音乐的艺术表现。卓别林不愧是表演大师，日常生活的平庸、俗陋的生活情景经过他的点化就会具有魔术般的可笑性，而且不失讽刺的寓意，从而直抵我们心灵里潜伏着喜不自禁又清醒认知的一面。人们喜欢他，不仅仅因为银幕上那个流浪汉所带来的快乐笑料，更重要的是卓别林那质朴而真诚的表演风格以及真实又简单大胆的讽刺风格。

　　在《摩登时代》开始的镜头里，用跳跃笨拙的音符出现，然后出现羊群拥挤在一起走过，紧接叠化成一大群工人走进工厂，形象地暗喻机械工业时代的工人命运和羊群一样被人驱使，令人产生一种哑然失笑的观感和悲凉意味，同时促使人们对“机械化”社会形态的深深思索和批判，而查理正是这千百个人中的一个。影片还通过豪华的碳化商店、幻想中的花园别墅和现实中的破旧木屋，对比理想与现实的矛盾。在监狱里，人虽失去了一切自由，但不用为失业、饥饿所困扰。在街头，人虽然获得流浪的自由，但要为无家可归、难以充饥而痛苦。工厂的工人虽能维持生计，但却沦为机器的奴隶。卓别林以独特的视觉形象和不同的乐器合奏不同的矛盾场景和矛盾心态从而概括了摩登时代的矛盾本质。在卓别林自己的评论中曾这样解释：那部电影是从一个抽象的概念批评我们的机械化生活方式发展而来的。卓别林同样为多个场景创作不同的音乐，但是其中却隐含着同样悲悯的情怀，让人回味和深思。

　　《城市之光》是一部让人掉泪的喜剧。影片分别描述了整个城市早晨、午后、傍晚、深夜时的一角，通过悠扬欢快的华尔兹的跳跃音符我们看到了春风得意的上流人物、平静简洁的舒缓音调奏出天真烂漫的卖花女、沉重的低音器乐合奏出万念俱灰的失意者，还有忙碌着的城市平民。在喧闹繁杂的市井中，穿梭着一个无处躲藏的流浪汉，那就是夏尔洛。卓别林为每一个场景、每一类人物、每一种情感，甚至每一个肢体语言都准备了配套的音乐，寓情于声，与画面共同阐释冷暖人生。如乡村歌谣般充满温情的男声歌唱，拉开了影片《朝圣者》的序幕，影片开始，不断切换的镜头、不断跳跃的音符营造出人们来回奔跑的效果，急促的音符更传递出人物之间的矛盾与冲突。原本与之毫无关联的逃犯偶然穿插其中狂奔乱跑，于是便产生了喜剧又悲凉的意味。

　　在影片《大马戏团》中，卓别林很好地把握了人物动作的关联性，使影片不露痕迹地转场，音乐也非常自然地随着画面的切换过渡到不同场景。衔接得恰到好处，简短精练的乐句和激昂的号声拉开了马戏团演出的序幕。马戏团的音乐主题选用了进行曲的样式，热烈而欢畅，并在影片中多次出现。与后面马戏团的破败命运形成强烈的对比。

　　音乐和电影似乎具有一种天然的缘分，因为音乐和电影一样，都能以最为直接的方式在时间、空间和节奏中展现艺术，展现魅力，卓别林的电影就能做到如此完美。音乐与电影是骨肉相连密不可分的。电影是音画艺术，音乐进入电影以后，进行完美结合就成就了艺术的美，这是一种新的音乐体裁。新的艺术类型，在突出影片的感情、推动影片的剧情方面起着特殊的作用。因此，电影音乐在电影中有着举足轻重的地位，可以说，现在的电影已离不开音乐。有些电影，离开了音乐，就会很难说清呈现了怎样的面貌。相反，只要有了音乐，不懂电影的人，也能从音乐中读到一些东西，这是电影中其他元素所无法取代的。一部好的电影，必然有深入人心的音乐，评价一部电影的好坏，音乐是十分重要的一个部分。因此，在观赏电影的同时，我们也要学会欣赏电影音乐，因为其中有许多值得我们深思和回味的地方。在电影由无声到有声的过程中，音乐也在不断地更新转变，经典就是经典，即使卓别林电影随着历史的前进使人们渐渐陌生，但是那种欢快又跳跃的音乐风格和特有的音乐表情、深刻的音乐语言让人回味无穷，让我们记住无声电影时期卓别林所赋予电影音乐的灵魂特性吧。