写生与临摹在高校素描课程教学中的实践应用

摘要：在高校素描课程教学中，写生与临摹是两种互补的实践教学手段，承担着激活传统艺术资源和培育现代造型能力的双重任务。写生凭借直观的视觉认知解构自然万物，着重培养学生对空间、光影以及结构的现场捕捉能力；临摹则通过对经典图式的沉浸式研习，引导学生追溯艺术语言的历史脉络与形式规律。二者的有机结合要遵循系统性、针对性、创新性原则，在教学实践中构建观察、解构、重构的递进式训练模型：借助合理配比实践课时激活感知维度，用理论阐释贯通技巧逻辑，依靠多元评价体系拓展创作思维。这种立体化的教学路径，不只是对素描基础教学范式的创新突破，更致力于培育拥有传统底蕴和当代视野的艺术人才，为造型艺术教育奠定从技入道的认知根基。

关键词：写生；临摹；高校素描；教学实践

在数字技术重构视觉经验的时代语境下，高校素描教学面临着传统技法传承与当代艺术创新的双重挑战。作为造型艺术的重要训练手段，写生与临摹犹如硬币的两面：前者是对客观世界的主观转译，侧重培养观察能力与个性化表达；后者是与经典对话的文化实践，聚焦传统技法的解构与审美基因的传承。然而，当前教学中普遍存在将二者割裂的倾向，或陷入机械临摹的技术崇拜，或流于写生中的表面描摹，未能形成滋养艺术创造力的教学生态。本文以培养既有传统功底又具创新意识的艺术人才为目标，深入探讨写生与临摹在高校素描课程中的实践逻辑，以期为破解基础教学与创作实践的脱节问题提供理论参照。

一、写生与临摹在高校素描课程教学中的实践应用价值

在高校素描课程教学中，写生与临摹的实践应用，本质是艺术教育中“师法自然”同“师法经典”的双向赋能，核心价值在于搭建起从技法传承至创作创新的完整培养体系。写生作为直面客观世界的视觉实践，能深度培育学生的观察与感知能力。持续捕捉自然物象的形态、光影、质感，学生不仅掌握“如何看”的科学方法，如建立比例尺度、空间层次的视觉坐标系，还在现实场景的主观转译中，养成个性化的艺术表达逻辑，让素描超越技术描摹，成为承载个体情感与认知的载体。临摹则是连接艺术史的重要路径，学生通过解构经典作品的技法，如线条组织、明暗节奏、构图张力，能吸收前人的视觉经验，理解不同时代艺术语言的建构规律，避免在低水平重复中损耗创造力[1]。这种对传统技法的研习，既为写生提供了方法论支撑，比如从荷尔拜因线性素描中习得结构表达的精准性，运用于人物写生的动态捕捉，更在文化传承中培育学生的艺术审美品格，让作品兼具历史纵深感与形式表现力。二者的有机结合，在实践中形成了“输入—转化—输出”的良性循环：临摹奠定的造型规范与审美认知，为写生提供扎实技术底盘；写生中获得的鲜活体验与观察发现，反哺临摹时的深度理解，促使学生在传统与现实的碰撞中，孕育新的艺术表达可能，最终实现从“技法继承者”到“艺术创作者”的能力跨越，为高校培养既有深厚传统功底，又能回应时代审美的艺术人才奠定基础。

二、写生与临摹在高校素描课程教学中的实践应用原则

（一）坚持系统性原则

在高校素描课程教学中，系统性原则要求将写生与临摹视为相互关联、相辅相成的整体，而非孤立的教学环节，从课程架构上构建逻辑严密、层次分明的训练体系。教师应依据学生艺术能力发展的内在规律，统筹规划写生与临摹的教学内容、实施顺序及目标衔接，使二者在知识传授、技能训练与思维培养上形成递进式链条。具体来讲，要考量基础技法训练与创作思维养成的阶段性融合。基础阶段可通过临摹经典作品建立造型规范，同时以简单景物写生强化观察体验；进阶阶段则侧重在临摹中解析大师创作逻辑，结合主题性写生实现语言转化，确保教学内容既涵盖传统技法传承的完整脉络，又包含从模仿到创作的转化路径，避免碎片化训练造成的认知断层，让学生在系统训练中形成对素描语言的整体性认知。

（二）强化针对性原则

针对性原则要求教学活动必须紧密结合学生的专业属性、能力基础和学习目标，摒弃统一模板式教学，追求因需施教的精准性。在高校素描教学场景中，不同专业学生如绘画、设计、雕塑等，对写生与临摹的能力需求大相径庭，即便是同一专业的学生，其基础水平和艺术特质也存在明显个体差异，这就需要教师深入剖析教学对象的实际状况，量身定制差异化训练方案。针对设计专业学生，临摹时可着重引导他们解析形式构成、线条韵律，写生中则强化对器物结构、空间关系的精准捕捉；对于基础薄弱的学生，临摹过程要降低难度梯度，通过分步拆解经典作品的技法要点，搭配短期写生来巩固基础造型能力；而面对具备一定艺术素养的学生，临摹时应引导其探究大师的创作思维，写生中鼓励运用个性化的观察视角，使教学内容与学生的实际需求精准匹配，切实提升素描训练的实际效能。

（三）突出创新性原则

创新性原则并非摒弃写生与临摹的传统价值，而是注重在传承经典的进程中，引领学生突破既有思维框架，于观察视角、表现手段以及艺术理念层面开拓新的可能，为传统教学模式注入时代特质[2]。高校素描课程教学落实这一原则，要求教师摒弃临摹教学中机械复制的倾向和写生教学里表面描摹的惯性，将创新意识贯穿于教学各环节。就临摹而言，不仅要使学生掌握技法技巧，更要引导其剖析经典作品在构图、光影处理、情感传达上的突破性，思索如何将这些创新元素内化为自身的创作语言；在写生教学中，鼓励学生跳出对客观物象的被动再现，尝试以独特的观察视角审视对象，探索不同工具材料、表现技法与个人风格的融合路径，甚至把现代艺术观念融入写生实践，使写生与临摹成为培育学生创新思维的有效载体。同时，教师需紧跟当代艺术发展潮流，将前沿理念融入教学内容，营造鼓励探索、多元包容的教学环境，让学生在传统与现代的交融碰撞中激发创新潜力。

三、写生与临摹在高校素描课程教学中的实践应用策略

（一）合理安排写生临摹比例

在高校素描课程教学中合理安排写生与临摹比例，要以人才培养目标为根本，综合考虑学生专业特性、认知规律以及教学阶段，打造层次清晰的训练节奏。基础训练阶段，如大一上学期，着重以临摹经典作品为主，挑选如丢勒、荷尔拜因的线性素描以及伦勃朗等巴洛克时期的光影作品，让学生在精准复制中掌握造型规范、线条韵律和明暗层次处理技巧，同时搭配一定的静物写生，选择结构清晰的几何体组合和日常器物，培养学生观察时的形体概括能力与空间定位意识；进入大一至大二的进阶阶段，要逐步提高写生比重，临摹内容转向毕加索、莫兰迪等现代主义作品，聚焦其构图创新和个性化语言表达，同时安排风景写生与人物动态写生，让学生在自然场景中运用前期临摹积累的技法，处理复杂的光影与透视关系。针对不同专业方向，要实施差异化的配比策略：绘画专业注重艺术语言原创性，在高年级课程中可设置主题创作单元，搭配大师风格研究性临摹，比如将珂勒惠支的版画质感表现到人物写生中；设计专业侧重功能性表达，临摹环节精选包豪斯设计素描中的结构解析类作品，写生则聚焦工业产品、建筑空间的形态捕捉，强化线条对物体材质与构造的精准诠释；雕塑专业需兼顾立体感与材料意识，临摹选择罗丹、布朗库西的雕塑素描稿，重点研习动态解剖与体积转化，写生以人体、石膏像为主，通过多视角观察建立三维空间思维[3]。教学过程中还要建立弹性调节机制，根据学生作业反馈灵活调整比例，比如学生在人物肖像写生中出现结构偏差问题，可增加相关大师的肖像临摹专题；设计专业学生在产品写生中缺乏形式美感，插入相关构成临摹课程，并且要避免绝对化的比例分割，提倡“临摹中有写生思维”和“写生中有临摹参照”，通过交叉训练打破机械复制与盲目写生的弊端，让写生与临摹在动态平衡中形成能力培养的共生关系。

（二）结合理论讲解实践技巧

在高校素描课程教学中，教师应将理论讲解与实践技巧相结合，构建“知识输入—技法解析—实践转化”的闭环体系，让学生在掌握具体操作方法的同时，形成系统化的艺术认知。

临摹教学中，理论渗透可从作品背景入手，如讲解达芬奇《维特鲁威人》时，阐释文艺复兴时期的解剖学成就与人文主义思想，让学生理解精准线条背后对人体比例的科学探索；分析委拉斯贵兹《宫娥》素描稿时，结合巴洛克艺术的光影戏剧性理论，解析其通过明暗对比营造空间纵深感的方法。教师示范临摹过程中，要边操作边讲解技法逻辑，如勾勒荷尔拜因的衣褶线条时，需注意腕部发力的轻重变化，紧贴身体部分用力勾勒表现结构张力，悬空飘带用虚线条体现飘逸感，对应“线条随形体转折而改变质感”的解剖学原理，课后还可布置理论关联作业，如让学生临摹马蒂斯速写后分析其“简化线条如何服务于动态表现力”，强化理论对实践的指导。写生教学的理论应用，要聚焦观察方法与创作思维。风景写生前，教师可系统讲解“空气透视法”与“构图三分法”，带领学生实地观察对比理论与视觉感受的差异；人物写生时，结合解剖学知识，讲解“头部立方体”概括法，让学生起稿时先用几何形体划分大结构再细化五官特征。针对创作性写生，引入艺术理念层面的理论引导，如“城市速写”单元结合本雅明“机械复制时代的艺术”理论，探讨用个性化线条传达对城市空间的主观认知；“情感表达”专题借鉴康定斯基“抽象形式心理学”，指导学生用扭曲线条表现焦虑情绪、简洁色块传递宁静感，让写生成为观念表达的载体[4]。理论讲解还要注重工具材料的适配性，临摹古典油画素描稿时，强调炭笔与宣纸结合的使用效果；现代写生实践中，介绍色粉笔、马克笔等新材料特性，如马克笔快速叠色适合表现城市街景的明快节奏，色粉揉擦技法适合营造黄昏风景的朦胧氛围。同时，建立“理论—实践对照手册”，将技法要点、理论依据与经典案例可视化呈现，方便学生查阅对照，促使理论知识转化为下意识的实践准则，形成“知其然更知其所以然”的技能掌握模式。

（三）开展多元评价促进学习

构建多元评价体系要跳出单一教师评分的局限，从主体、维度、方式三方面搭建立体化架构，使学生在多视角反馈中明确改进方向。评价主体上，教师评价既要关注技法精准度，也要考量艺术感受力，如临摹作业除了关注线条还原度、明暗层次吻合度，还要注重对原作精神气质的捕捉，比如能否通过笔触轻重传递梵高素描的激情特质；写生作业则设置观察视角独特性、主观处理合理性等评分项。学生自评需填写《训练日志》，记录临摹时的技法难点，如伦勃朗光影过渡中擦抹技巧的掌控问题，以及写生中的观察发现，例如俯视画静物时圆形桌面透视变形规律与平视的差异，并制定改进计划。互评采用“画廊漫步”形式，学生将作业陈列，手持含构图完整性、线条表现力、创意亮点等条目的评价表匿名打分并提出建议，比如指出风景写生近景细致但中远景层次不足，可参考柯罗的空气透视处理。评价维度要将过程与结果统一，建立过程性评价档案，记录课堂示范时的跟练表现，比如能否及时实践教师讲解的排线技巧，以及草稿本使用情况、材料实验尝试等[5]。结果性评价用“作品档案袋”，收录各阶段作业、修改前后对比稿、理论关联小论文，学生还要附上创作阐述，说明选择临摹作品的原因、写生中遇到的挑战及解决办法。评价方式结合即时反馈与阶段性总结，课堂上教师巡回指导、即时点评，发现问题当场示范，如学生临摹忽略原作笔触节奏时演示线条变化对质感的影响；课后通过语音批注作业，针对具体细节详细指导，如指出衣褶线条转折与人体结构不符并推荐参考荷尔拜因作品。每学期末组织教学成果展示，学生将满意的临摹与写生作品配对展示，结合PPT讲解临摹中学到的技法如何应用于写生创作，比如从临摹安格尔作品学会用长线条塑造人体曲线美并应用到人体写生中，同时邀请行业专家、校友点评，从职业发展视角提建议。如此，通过多元评价的持续介入，学生能清楚认识到自身技法的短板，建立对素描学习的整体价值判断，实现从被动接受评价到主动运用评价提升实践能力。

结语

写生与临摹教学实践，本质上是在艺术传承与创新的辩证关系中寻求教育的平衡点。学生在写生中学会用画笔感知世界质感，于临摹中领悟大师笔触里的精神内涵，此时素描课程已不再局限于技法训练的表层，而是升华为一种形神兼具的艺术思维培育。系统性原则保障知识体系的完整性，针对性原则满足个体差异的教学需求，创新性原则为传统教学增添时代动能，三者共同搭建起动态开放的教学场域。从更深远的层面来看，这种教学模式不仅关乎学生造型能力的提升，更重要的是指向艺术感知力的唤醒，使学生在具象描摹与抽象提炼的往复过程中，建立起对艺术本体的深度认知。在当下数字化图像泛滥的环境中，坚守写生与临摹的实践价值，既是对视觉艺术本真性的回归，也为高校素描教学在多元文化语境中确立了固本开新的精神坐标。

文章来源：《新美域》https://www.zzqklm.com/w/qk/29468.html