蒙克自画像作品研究

摘要：爱德华·蒙克（Edvard Munch）作为挪威表现主义艺术运动的代表人物，其自画像作为贯穿其创作生涯的主题，不仅是外在形象的再现，更是内心世界的深刻表达，并且，蒙克在自画像创作中对摄影技术的实验性运用具有独特的跨媒介研究价值。本文通过分析蒙克不同阶段的自画像创作，揭示其如何通过扭曲的线条、强烈的色彩与独特的构图，将内在的精神焦虑及哲学思考转化为视觉语言。尤其是他对摄影技术的实验性运用，为理解其艺术实践提供了新视角，也为当前数字时代的艺术创作如何面对种种新技术带来启发。  

关键词：爱德华·蒙克；自画像；摄影  

引言

自画像在西方美术的发展过程中一直是重要的绘画母题之一，在文艺复兴时期被称为“镜中的肖像”。蒙克是继伦勃朗之后创作自画像数量最多的艺术家，他的自画像作品之独特性在于突破了传统自画像绘画的“镜像”写实，颠覆了文艺复兴以来艺术家自画像中崇高的传统。特别是在19世纪摄影技术被发明和快速传播开来之后，绘画开始不仅仅是描摹事物的表象，而是转向对事物本质的描绘。蒙克在自画像创作时对摄影技术的尝试，也让我们更加全面和直观的理解蒙克的创作理念和创作方法。

一：蒙克艺术思想形成的背景

爱德华·蒙克所在的挪威是一个美丽的北欧岛国，地理环境和气候条件对北欧人的性格和气质产生了深刻的影响。挪威文化受到异教文化和象征主义的浸染，其艺术更倾向于表现人类精神的象征与隐喻，在这样的文化氛围中成长的蒙克，自然带有浓厚的悲观意识与忧郁气质。

另外，在北欧的神话故事中，也不同于世界其他国家的神话体系，北欧神话更注重描绘世界的毁灭，坚信一切事物都处于无尽的循环之中，万物在毁灭后将进入新的轮回。这种独特的神话传统塑造了北欧人独特的性格特质。

哲学以其深刻的思考对蒙克产生了巨大影响，并在很长一段时间里主导了他的创作主题和图式安排，这些思想促使他对创作的主题、生活中的痛苦、疾病以及生命本质等进行了更为深刻的思考。例如，弗洛伊德的精神分析理论与蒙克的艺术创作在画作主题上展现出某种相似性，弗洛伊德对性冲动、家庭关系、梦境的分析理论，或许正是蒙克所关注并从中受到启发的内容。

十九世纪末二十世纪初出现了许多的艺术流派，印象派、后印象派、象征主义、表现主义等艺术流派的创作理念和技术手法给那个时代带来了新的色彩。

传统追求真实再现事物的观念被颠覆，绘画不再局限于内容的呈现，而是更加关注形式与观念的表达。

蒙克深受法国后印象派画家保罗·高更装饰艺术风格的影响，同时也从纳比派和象征主义绘画中获得了启发。他吸收了印象派的技术，尤其受到法国画家克劳德·莫奈和卡米尔·毕沙罗等画家的影响，此外，荷兰画家梵高和法国画家罗特列克的作品也对蒙克产生了深刻的触动。印象主义的兴起推动了绘画理论的进一步完善，这些因素对蒙克的用色、笔触以及画风的确立起到了重要作用。

蒙克与奥斯陆波西米亚团体交往密切。在领袖汉斯·雅阁的带领下，蒙克受到前卫艺术思想的影响很大——彻底的自我解放并带有反叛色彩的艺术思想。正是他们的影响，使蒙克开始关注自身与灵魂，从而找到属于他自己的艺术语言。

二：蒙克自画像作品分析

（一）自画像在蒙克作品中的比例与分布

蒙克是一位高产的画家，他的艺术生涯长达60多年，创作了上万件作品。

在他后期的作品中，自画像占据了重要的位置，从18岁到1944年去世（享年80岁），蒙克创作了近70幅自画像，20张版画以及超过100幅水彩画、素描和草图，其中大多数是在1900年之后完成的。

在作品艺术形式的分布上，蒙克的自画像作品不仅仅局限于油画，还包括版画、素描、粉笔蜡笔、摄影等多种媒介。此外、蒙克还运用摄影作为自我探索的一种工具，拍摄了大量的自拍照片，通过摄影记录下自己的心理状态。

（二）蒙克自画像作品的时期划分和风格演变

蒙克的自画像作品可以按照时间顺序及作品主题分为三个主要时期[1]。

第一阶段：现实主义风格时期（1880年-1889年）

在蒙克的早期自画像作品中，现实主义风格一直占据主导地位，这一时期的自画像主要是对他个人形象的写实描绘，反映了他对自我身份的初步探索，在《自画像》（1882年）中展现了他年轻时的外貌和精神状态，蒙克熟练掌握并运用着写实的技法，构图严谨、光影、色彩写实传神。

第二阶段：表现主义风格时期（1890年-1909年）

19世纪末，尤其是进入20世纪以后，他的艺术逐渐发展成熟，表现主义风格特征明显。这一时期蒙克作品中的人物形象夸张、扭曲、变形，人物的细节尽可能的被简化，情绪和情感被无限的放大。并且在这一时期蒙克也接触到了摄影技术和X射线等新技术，自画像也开始变得不仅仅是个人状态的记录，更是一种自我审视。

在九十年代蒙克著名的自画像作品《手持香烟的自画像》中，这幅作品中的背景黑暗而模糊，无法识别具体的细节，他的脸和拿着香烟的右手在光线和黑暗背景的衬托下显得格外突出，这种光影显然与伦勃朗的绘画有关。此外，香烟作为画面中唯一的道具扮演着重要的角色，十九世纪八十年代，香烟才首次大规模上市，在那个时候，香烟与贫穷、疾病、死亡、性等意象联系在一起，构成了波西米亚人和颓废文化的象征。

在1903年蒙克创作的另一幅著名的自画像——《地狱中的自画像》中，蒙克采用了对角线构图，使用黑色和红色两种对比强烈的颜色将画面分成了两部分，黑色和红色作为蒙克作品中经常使用的颜色往往具有一些象征意味。并且在他的身后，蒙克用激烈的笔触描绘了一个巨大的阴影，这些笔触粗大且急促，给人以强烈的压迫感。在蒙克的作品中，阴影经常和他笔下的人物如影随形，阴影也是蒙克作品中重要的意象之一，它使人联想起幽灵或魔鬼，在西方文化中暗示了物的存在，在蒙克的作品《青春期》、《月光》中都有体现。

第三阶段：创作后期（1910年-1944年）

直到生命的晚期，蒙克依然坚持创作毫不留情的自画像，也是蒙克创作自画像数量最多的时期。

步入晚年后的蒙克逐渐收获了社会的认可，但身体上却备受各种疾病的折磨。

在哥本哈根经过一段时间的治疗与修养后，患有精神分裂症的蒙克对自己生活的展望以及他在艺术表达中的消极态度转变为积极乐观的态度，这一时期的自画像作品中，蒙克选择将背景设置在室外，自己被蓝天白云和明媚的阳光环绕。

1940年开始，蒙克的自画像开始关注死亡。但在这个时期的自画像作品中，却不似1910年-1940年的作品中那样充满对于死亡的恐惧与紧张和焦虑，而是更多的显示出了一种坦然和冷静。《自画像：在钟与床之间》是蒙克生命最后阶段最具代表的自画像作品之一，蒙克泰然自若的神情显示出他对于死亡的蔑视，尽管他的身躯日益衰老，但是他休闲的装束以及墙上色彩轻快的裸体习作让我们仿佛目睹了蒙克对艺术和生命的热爱和坚定。

（三）蒙克自画像作品与其他作品的关系

蒙克的自画像作品与他最著名的作品《呐喊》有着深刻的内在联系，在某种程度上，《呐喊》也可以视作是蒙克的自画像之一。

一幅绘于1920年前后的炭笔自画像习作也许能说明一些其中的联系，画面中蒙克张开嘴仿佛在呐喊，手放在耳侧，姿态和《呐喊》如出一辙。

此外，《呐喊》的主角形象——“骷髅”般的人物造型，同样频繁出现在在蒙克的许多作品中。在1883年，蒙克接触并阅读了俄罗斯作家陀思妥耶夫斯基的作品后，他的造型风格开始与早期的现实主义风格不同，陀思妥耶夫斯基的作品重视人物心理描写以及人物的自我意识，蒙克从那之后开始不断的塑造内心的自我与现实中的矛盾相冲突的、充满恐怖气息的形象，这种形象正是蒙克内心表达的投影，这些内心情绪表达的欲望让蒙克自然而然走向选择充满隐喻和象征色彩的造型风格。

从某种程度上说，这张著名的作品之所以能够被如此多的观者共鸣，正是由于蒙克的自画像与《呐喊》之间的内在联系是其内心深处情感世界的深刻揭示，是“内心的自画像”，是一种“精神的自画像”，通过对这些自画像作品的深入分析,可以更深层的体会到蒙克在创作《呐喊》时的心境。因此，蒙克的自画像不仅是他个体的写照，更是一种对人类情感与存在的哲学思考，这些所有的自画像作品都指向《呐喊》作为蒙克所有作品的核心代表，构建出蒙克艺术中最深沉的主题。        

三、蒙克的自画像与摄影的关系

（一）蒙克的自画像与摄影                                                     

“蒙克的照片从技术上讲是非常不完美的，但作为照片，它们反叛传统，意义重大，它们使观看者能以心理学的角度去观赏。迄今为止，没有别的照片能有这样的效果。”[2]J.A.施默尔根·艾森温尔塞（J.A.Schmollgen.Eisewerth)于1970年在慕尼黑的展览中——“摄影之后的绘画”中写下了这样的评论。

蒙克于1863年出生在挪威一个传统而较为富裕的家庭。在蒙克成长的年代，摄影技术已经十分流行，他的童年时期常接触到照相，包括家庭合影和单人照片。蒙克的母亲不幸去世后，她的肖像照片以及与孩子们的合照仍然留存在蒙克的生活中，这些照片也多次出现在蒙克对于童年的回忆与绘画作品中。蒙克的母亲身穿深色的袍子，站立在椅子旁边的姿势曾反复出现在蒙克于1890年前后创作的几幅作品中。总之，摄影对于蒙克来说一直都不陌生。

在结交了瑞典剧作家奥古斯特·斯特林堡后，蒙克的作品明显受到了来自他的影响，蒙克著名的自画像作品《手持香烟的自画像》创作于1895年，而斯特林堡在1886年曾拍摄过一张摄影自拍照，蒙克对这一肖像照片肯定相当熟悉，在斯特林堡的肖像照片中，他的姿态和神情与蒙克的自画像作品非常类似，都是手持香烟的站姿，并且光线的来源并非寻常的顶光或侧光，而是来自下方。

1903年蒙克创作的自画像中，他赤裸着上半身，置身于火焰正在燃烧的地狱中，大火映衬下他的脸和身体仿佛就要被灼伤。在1903年夏天拍摄于艾斯卡德的蒙克的花园中，有两张照片能够看出蒙克裸体站着，右手伸向光亮处，左手臂弯曲放置在自己的腰部，背景是郁郁葱葱的树木，他的身体苍白，但他的脸在阳光的照射下呈现出一层朦胧的效果，这种光与影的效果以及他站立的姿势，都让人联想到这张《地狱中的自画像》。

从蒙克拍摄的几张几乎一样的照片中能够推测出他正在进行曝光时间的测试，蒙克也热衷于保留在拍摄过程中产生的偶然效果。比如在蒙克的一张自我肖像照中，透过迷雾一般的背景能够隐约看到一把椅子，说明蒙克在二次曝光期间走动过，蒙克在正常印出这张照片后又做了一张镜像照片，这使得照片前景中出现了一些不一样的细节，这些偶然产生的细节吸引着蒙克不断进行实验和尝试。

他对摄影中二次曝光的效果产生了浓厚的兴趣，并通过相当数量的摄影作品和绘画进行想要的效果的尝试，对于二次曝光效果的兴趣很可能影响了他绘画的方式。在另外的一些被视作未完成的作品中，似乎也是蒙克模拟摄影中的二次曝光效果所做的实验。这一系列摄影作品的尝试对他的绘画创作意义重大，是支持他不断前进和探索的养料。

（二）蒙克的摄影实践对当代艺术创作的启示

作为19世纪末20世纪初的艺术家，蒙克生活于摄影技术逐步普及的时代。但他并未将摄影这一新兴媒介视为对绘画的威胁，而是以一种实验性的姿态将其纳入创作的范围。

蒙克在绘画中刻意消解了摄影的写实性，他常借助模糊、重影、非常规构图等手法，强调主观感受对视觉真实的覆盖。如《诊所中的自画像》中扭曲跳动的线条，以及很多未完成的作品中都有所体现。这提示了当代艺术家在面对新技术时，不应仅仅止步于技术本身的精确性，而应该从多种角度出发，带着人文的视角介入，打破机械僵硬的秩序从而寻找创作的自由。

此外，蒙克在创作中使用摄影记录过程，甚至将照片作为绘画的基底或灵感来源，但最重要的部分在于蒙克使用照片的目的并非复制现实，而是通过媒介的互相融合尝试激发新的表现语言，新技术从来不是艺术的对立面。

结语

爱德华·蒙克的自画像作品作为其艺术创作的重要组成部分，不仅仅是对其外在形象的描绘，更是其内心世界和思想观念的真实流露。通过对这些自画像作品的深入研究，我们能够更加全面地理解蒙克的艺术理念、创作动机以及他在艺术史上的独特地位。

此外，蒙克在自画像创作中对摄影技术的尝试与应用，进一步丰富了他的艺术表达方式。这种跨媒介的创作实践，不仅为他自己带来了新的灵感，也为当代艺术提供了新的可能性。蒙克在自画像中对摄影技术的运用，体现了他对现代技术与艺术之间关系的深刻思考。

文章来源：《新美域》https://www.zzqklm.com/w/qk/29468.html