声乐作品创作的时代性和创新性研究

（一） 鲜明的时代性特征——《打起鼓手唱起歌》、《祝酒歌》

1、 时代背景（文革时期）

以文革时期为例，1966年，“红色风暴”席卷了中国大地，江青一伙趁机发动了“无产阶级文化大革命”。毋庸置疑，文艺界也难逃厄运，是文革的“重灾区”。“四人帮”全盘否定了人类艺术文化的成就和历史，不择手段的打击与他们利益相抵触的艺术家，企图控制文艺界，作为为其政治斗争服务的工具。

在音乐创作方面，文革时期的音乐作品大都风格单一，偏重于群体意志的表达，普遍运用无声调式。，抹杀了声乐本身强烈的主观性和个体性特征，声乐不再是表达人类丰富感情的载体，而成为政治斗争的工具。

文革时期的作品宣扬西方音乐为“形式主义”、“资产阶级论调”，这个时期出现的音乐作品有“造反歌”、“牛鬼蛇神嚎歌”等，反映出文革时期音乐的教化、政治宣传作用。因此，当时中国的音乐事业遭到了前所未有的破坏。盲目“歌颂性”的作品和图解阶级斗争理论的“政治儿歌”应运而生。

而与当时社会形态相背离的作品是会遭到封杀的，因而，当时的音乐创作“帮味”十足，异常扭曲和僵硬。

2、 作品的时代气息

在这个特殊时期，《打起鼓手唱起歌》就不得不说是混沌污浊的中国大地上一个不一样的、嘹亮的声音了。作者施光南作为一个具有时代性特点的民族音乐家，打破了“文革音调”，努力发展新的歌曲和音乐事业，《打起鼓手唱起歌》就是这个时期的代表作品。

歌曲以手鼓的常用节奏贯穿全曲，而手鼓是新疆少数民族常用的民间乐器，因此，歌曲本身带着浓郁的地方和民族特色。歌曲整体的基调是热情、欢乐的，抒发了人们强烈的感情，尤其是节奏紧密的大段衬腔“唻唻唻”，配以不断反复的同属音，与文革时期的“高、响、硬”形成了鲜明的对比，彻底触怒了“四人帮”的霸权，被视为是有“资产阶级的创作倾向”。

《打起鼓手唱起歌》的前奏、间奏、尾奏融合成了一个密不可分的整体，抒发了基层人民的美好愿望，以热情、轻快的旋律，塑造了普通劳动人民的形象，歌颂了他们对于丰收的喜悦和对未来的美好希冀。而这部有着正常气息的音乐作品，却是与当时的意识形态和政治局面相峙的。被视为是“叛逆”的意识形态，最终遭到扼杀。但不可否认的是，这部作品同样代表着来自一个群体的声音，代表着最广大底层劳动人民的声音，具有强烈的斗争精神。它具有那个时代特有的时代特点，反映了一种社会面貌和精神寄托。

作品《祝酒歌》节奏激动明朗，采用了再现复二部曲式结构，具有回旋式体裁特征。作品通过饱满的曲调，充分表现出文革后人们欢庆胜利的场面。开端融合了戏曲音乐的元素，通过甩腔美化旋律色彩，音调低沉和缓，却具有大调的和声功能色彩，七音阶中又有五声调式色彩，在轻微的感叹声中蕴含了对即将到来的黎明曙光的希冀。

作品的曲调与B段副歌部分的取材相同，使得整个音乐情绪在开端部分就千头万绪，百感交集。最后两小节在窗外锣鼓喧天的背景声中渐弱渐慢。A段主歌第一句低音区的曲调迂回婉转，是由几个短小的乐汇构成的。这种短小的节奏在整部作品中被广泛的运用。

作品的时代气息浓厚，继承了中国传统音乐创作思维的同时，又加入了新的时代元素，创造出了自己的独特风格，集思想性与艺术性于一体。在作品A段的四个乐句中，作者采用了欲扬先抑的手法，描写心酸的回忆，为后面的胜利喜悦作了铺垫；而后面“请你干一杯酒”中的“酒”字，装饰音深情演唱，以及“幸福泪”的几个附点音符的跌宕起伏，更是表现出人们欢呼喜悦的真实情感，是社会面貌的一个真实写照。

因此，一部具有时代性特点的声乐作品不仅具有很高的艺术价值，同时还具有相当的艺术价值，从作品本身，我们可以看到那个时代的社会面貌和人民的生活状态。

 (二)声乐作品的时代性研究的意义

对声乐作品的时代性研究的意义主要体现在实现作品本身艺术价值和作品的二度创作两个方面。

1、对作品艺术价值实现的意义

随着各国文化交流的频繁深入，中国的声乐作品在不断引入外来元素的同时，也肩负着走向世界艺术殿堂的重任。所以，在声乐作品创作过程中，需要艺术家能够与时俱进，不断地进行完善，创造出具有时代精神和时代气息的作品。这就要求艺术家能够深入的提高自身能力，赋予作品更深层次的文化精髓，它代表着一个时代的精神面貌和意识形态。所以，一部具有时代性的声乐作品，更能实现其艺术价值。

2、 作品二度创作的意义

二度创作是指艺术家在遵循创作的基本要求的基础上，同时对音乐形成自己的理解、和自己的风格特色，准确而巧妙地揭示作品的内涵与主题，塑造鲜明的艺术形象。赋予作品生命力。

声乐作品的时代性研究对作品的二度创作具有重要意义。具有时代性特征的作品，往往具有新的生命力，被时代赋予了新的内涵，它反映的是一种社会形态和精神面貌，具有自己的艺术特色和风格，这也是二度创作的一个重要内容。

二、声乐作品的创新性研究

（一）声乐作品的创新性特征

“创新”是一个民族的灵魂，是人类社会进步和发展的动力，同样的，创新在艺术作品中的重要性也是不可比拟的。

作曲是声乐作品的根本，而创新则是作曲的生命，没有创新，就没有新艺术的产生。凡是有些成就的艺术家，都了解创新在创作中的重要性，大胆的创新，才能取得独特风格、形式优美的艺术效果。

声乐作品的创新性表现在作曲、乐器、伴奏等多方面，下面我们将主要就这几方面对其进行分析。

1、古为今用，诗乐相容——《卜算子》

“兴于诗，成于乐。”中国自古便是诗歌大国。唐诗、宋词、元曲与声乐结合的典范不计其数。最为经典的《诗经》是比较早的将“诗词”以“歌”咏之德的作品了。诗的意蕴与声乐的旋律相结合，便营造出一种意蕴美。诗乐相容，堪称是一创举。

以黄自的《卜算子》为例，原词是苏轼写于元丰五年被贬黄州时，本意是借词抒情，表现自己高风亮节、不与世俗同流合污的高尚情操。上阕“缺月挂疏桐，漏断人初静。谁见幽人独往来，缥缈孤鸿影。”，写的是寓居在定慧院时的冷寂清静之景；下阕“惊起却回头，有恨无人省。拣尽寒枝不肯栖，寂寞沙洲冷。”写的是孤雁如幽人般独来独往，表现出作者的孤高傲岸的气节。整首词意境朦胧，全无半分俗气。黄自在作曲时，选取的和声具有印象派倾向，与词的朦胧意境相契合；同时，五声音阶的选用，使得词曲充满了浓郁的民族特色。诗词意蕴丰厚，旋律优雅朴实，二者结合，便营造出恬淡、静谧的气氛。

黄自将诗词与声乐的结合，使得声乐本身充满了生命力，营造出一种唯美、朦胧的意境，这是声乐创作上的一大创新，对作家本身而言，也是一种进步和自我的超越。

2、中西结合，声乐交融——《梁祝》、《思乡》

小提琴协奏曲《梁祝》，被誉为“民族的交响乐”，而它经久不衰的最大原因则是它“中西结合”的过人之处。《梁祝》采用西洋奏鸣曲式的结构，并根据我国民族化的审美取向、审美特征与我国民间传说诉说了一段梁祝的故事。这部作品的载体是西式的奏鸣曲，将结构根据标题内容的需要分为了三个部分，细腻的刻画了梁祝相爱、抗婚、化蝶的情感历程。在乐器选用方面，突破了传统的中国式乐器，如长笛、二胡等的范畴，采用了西方乐器小提琴奏乐，也是其创新之处；在接受西方化的影响下，《梁祝》也很好的体现了其民族特色。《梁祝》协奏曲在和声语言的选用上，主要以民族和声的典型语汇纯四度、纯五度以及大二度音程关系为主，尽可能多的体现其民族特色。

另一部作品《思乡》同样的体现了“中西结合”这一特点。《思乡》分为上下两篇，在上篇中，声乐中出现了杜鹃啼叫声，其意指游子离乡，暗示离情别意。而这中出现的杜鹃啼声采用的是西方乐器——钢琴，以钢琴伴奏模仿杜鹃啼叫的声音；在下篇中，和声部分改为和声织体伴奏型，整个节奏变得更加激昂，具有紧迫感。在“随渺渺微波是否向南流”处，钢琴伴奏以琵琶音形式出现，将游子思乡之情撩拨到极致。

3、声乐与戏曲的结合——《旗正飘飘》

如果说将声乐与诗词、与西方乐器和结构结合的作品为数不多，那么将声乐与戏曲结合的作品就更加寥寥无几了。而《旗正飘飘》正是实现这一创举的典型作品，它不仅具有较高的艺术价值，体现着作者在声乐创作上的颇高造诣，同时，也对之后的声乐创作带来深远影响。

我国的戏曲发展历史悠久，与我国深厚的文化底蕴密不可分。它的舞台表演讲究“念、唱、做、打”，扮相兼具“生、旦、净、末、丑”各角。

《旗正飘飘》是在中国抗日阶段诞生的一部大合唱，实际是四部混声合唱，它创新的融入了戏曲因素，使得整部作品充满了勃勃生机，因而成为广泛传播的经典之作。

   先从它的音乐结构和主题发展手法上分析。它所采用的是平行结构乐段、分裂性与动机式的主题发展手法，通过选择有着悲壮哀婉色彩的b和声小调、合唱最具表现力的音区、螺旋式上升的旋律这些因素，充分展示出了作品的整体背景——“抗日的火焰以燎原之势蔓延向整个中国大地”。整体音乐充满了戏曲音乐中特有的“嚣板”的渲染特征。

在第一插部中，作者融入了大量戏曲元素，如“快奋起，莫作老病夫；快团结，莫贻散沙嘲”这句，作者采用四部混声的“领与合”的演唱形式和男声的齐唱形式，在演唱形式上形成了对比；另外，第一插部的平行乐段，由两个乐句构成，选择的是b小调和D大调，这里又形成了二者在调性与调式上的对比，同时，歌词完全重复和旋律变化重复手法在b小调的属和弦上的采用，也是极为出彩的一处。

第二插部与叠部最后一次出现之间的连接部使用了和前一个连接部如出一辙的歌词与音乐表现手法，将音乐情绪再次推向高潮。

最后一次叠部又与第二次运用了同样的音乐织体写作，作者运用卡农式模仿复调的写作手法处理男女声合唱部分。真实的再现出中华民族“男儿当自强”的英雄气概。

再看它的音乐写作手法，戏曲音乐中“垛板”的节奏韵律与“武场”的多声部组合方式，使人充分感受到了中华儿女反抗外来侵略的决心和英雄气概。  

整部作品中，连接部是中国戏曲风格体现最鲜明的部分，是作者吸取中国戏曲精华，灵活的将中国传统戏曲语言与西方作曲理论相结合而创作的优秀作品。

（二）声乐作品创新性研究的意义

1、对作品艺术价值实现的意义

创新是人类进步与发展的动力，同样，一部声乐作品如果缺少了创新，也就失去了生命力。传统的声乐作品创作固守条条框框，如乐器方面依旧是以长笛、二胡等传统乐器为主。而在当今学术与艺术交流日益频繁的时代，固守陈规，不懂得如何实现突破，前往艺术的道路将会是阻碍重重的。

艺术的创新性在于将艺术家独特的思维与创作方式施展在作品中，赋予作品新的生命力，具有自己独特的风格，从而实现自身的艺术价值。

2、对作品二度创作的意义

声乐作品的创新性是二度创作的灵魂，这点是毋庸置疑的。二度创作本身就是在原有的创作基础上，通过艺术家自己独特的理解，为作品增添新的色彩，赋予它更深一层的寓意和内涵。作品若失去了创新性，如鱼失去了水，鸟失去了林，再也无法遨游更广阔的的领域。

因此，声乐作品的创新性是二度创作的活的灵魂。

三、声乐作品时代性和创新性的关系

时代性和创新性是声乐作品的两个重要方面，是密不可分的整体。时代性是创新性的一个重要方面，富有时代气息的声乐作品被作者赋予独特的风格，具有勃勃的生命力，是创新性的一个表现方式。

同时，创新性的实现离不开时代性。一部传统的、没有丝毫时代特色的作品是缺乏吸引力的，更遑论创新。

二者相互依存，相互联系，只有合理的结合运用，才能使艺术作品更好地实现其自身价值。

四、结语

本文通过对典型声乐作品进行分析，全面而深入的对声乐作品时代性和创新性进行了研究。二者都是艺术作品自我价值得到实现的重要途径，都对作品的二度创作起着举足轻重的影响。时代性特征赋予作品独特的风格，创新性赋予作品生命力，是艺术家进行创作的动力，是作品活的灵魂。

    充分了解二者的关系以及其对声乐作品的重要性，不仅能帮助我们提高对声乐作品的鉴赏能力，同时可以通过作品本身，挖掘其更深的内涵，透过作品了解它所处的那个时代的特点。