多元音乐文化视域下舞蹈艺术的融合创新研究

随着全球化的推进，各国之间的交流日益密切，文化多元化成为不可逆转的趋势和潮流。音乐文化作为文化的重要组成部分，也呈现出多元融合的态势。舞蹈艺术历经数千年的演变，是一种具有独特审美价值和丰富内涵的艺术形式。在多元音乐文化视域下，舞蹈艺术面临着新的发展机遇与挑战，其融合创新也成为当下的重要研究方向。

1.多元音乐文化与舞蹈的内在关联

1.1结构上的内在关联

音乐与舞蹈，作为时间艺术的两种形式，它们的表达方式和演变路径大体上是相似的。无论是音乐还是舞蹈，都拥有一个完整的结构，其中蕴含了核心技术和发展历程。从音乐的结构设计来看，可以分为微观和宏观两个层面。微观层面上，音乐结构涵盖了构成乐曲的所有元素，包括音色、和声、调式、速度对比、音乐情绪的对比，以及旋律的走向等；宏观层面上，音乐结构则主要涉及乐曲作品的章节划分，即段落设计和曲式结构。无论是中国传统乐曲艺术还是西方乐曲艺术，都对音乐结构的设计给予了高度重视。舞蹈艺术同样拥有其结构设计理念，也分为微观和宏观两个层面：在微观层面，舞蹈艺术在某种程度上会直接受到音乐元素的影响，音乐的风格会直接或间接地决定舞蹈的动作、体态和动律，舞蹈段落的划分通常与音乐段落的划分保持一致；在宏观层面，舞蹈艺术的设计是根据具体的表演情节和情绪变化来构思的。从舞蹈创作实践的角度来看，舞蹈的结构设计是基于音乐风格来确定的。杰出的舞蹈创作者会根据音乐的风格和结构来展开自己的创作思路，同样，一部优秀的音乐作品也会为舞蹈创作提供一个完整且合理的设计结构基础。因此，无论是从微观还是宏观层面来看，音乐与舞蹈在结构上都展现出了一定的相似性，两者相得益彰。

1.2旋律上的内在关联

在多元音乐文化背景下，不同的音乐风格旋律会直接或间接影响到舞蹈创作者的创作思路，这种创作方式虽不是固定模式，但在潜移默化中支配着舞蹈创作者的思想意识。音乐旋律有上行、下行或平稳进行，当音乐旋律处于上行时，舞蹈动作的幅度和力度会随之扩大，处于高位运行状态；当音乐旋律处于下行时，舞蹈动作会像同方向跟进，幅度和力度也会随之缩小；同样，当音乐旋律处于平稳时，舞蹈动作的幅度和力度轻柔平静从舞蹈艺术的表象观察，或许难以察觉音乐旋律对舞蹈的影响；然而，深入内在视角，我们不难发现音乐与舞蹈在形象化审美特质上的共性和追求。因此，音乐与舞蹈艺术之间的内在联系，并非在于比较两者在艺术表现中的地位高低或作用大小，而是要不断探索这两种艺术形式之间最核心、最本质的联系。这可以促进舞蹈艺术在多元音乐文化的背景下得到进一步提升，并且寻找到一条恰当且有效的路径，以融合舞蹈艺术与多元音乐文化。

1.3文化核心的本质关联

节奏是音乐和舞蹈两种艺术形式之间最核心的本质关联，它是音乐创作的灵魂，同样也是舞蹈创作的灵魂，对音乐和舞蹈具有同样的效用。其中，音乐作为听觉艺术，虽然有多种表现形式，如声乐表演、器乐表演等，但其乐音只能依靠听觉去感受，有时可以依靠舞者的肢体语言和表情语言去感受音乐的节奏旋律，然而，这些仅仅是一些辅助手段，无法深刻体验到音乐本身节奏与律动的真正魅力。舞蹈艺术与音乐艺术在感受方式上存在差异，它是一种通过视觉和身体动作来表达的有形表演艺术。舞蹈艺术中的音乐用来烘托表演氛围，而节奏感的体现主要是依靠于舞者的肢体语言。在观众欣赏音乐时，可以通过多种方式，如去音乐厅、歌剧院等场所，此类场所相比唱片、CD等手机软件类型的听音乐方式，会给观众带去更多的视听体验和感受。然而，这些方式在本质上对于观众是否欣赏到音乐的核心内容并不会起到决定性的作用，舞蹈艺术不同于音乐艺术，不管是听还是看，舞蹈的核心固然是优美的舞姿，但在舞蹈表演中，音乐的衬托不可或缺，甚至可以说，卓越的音乐作品是构成一场卓越舞蹈表演的先决条件和基础。

2.多元音乐文化视域下舞蹈艺术融合创新的表现

2.1新媒体平台上的融合创新

新媒体平台基于多元音乐文化理论的基础下，为舞蹈艺术的融合创新打开了更为广阔的创作空间，具体体现在以下两方面：其一，新媒体平台打破了传统的舞蹈传播形式，创作者可以运用当今流行的短视频、直播等新型传播媒介实现跨地域、跨文化的即时性传播，同样，新媒体平台还可以让创作者了解不同音乐文化与舞蹈艺术融合创新的素材，如在抖音或B站等平台欣赏“国风+世界音乐”为主的音乐创作热潮，学习传统舞蹈艺术如何与不同的音乐元素、文化进行结合，让创作者能够利用数字音频编辑技术实现音乐混搭，并使用虚拟现实技术营造沉浸式舞台场景，使观众在移动端便可体验不同音乐文化与舞蹈艺术的碰撞；另一方面，新媒体平台的数据分析可以为创作者将多元的音乐文化融合舞蹈艺术进行创新提供精准的创作导向，例如，创作者可运用用户画像分析，针对Z世代的音乐、舞蹈审美偏好，将电子音乐与古典舞蹈艺术进行结合，或用潮流的说唱音乐等个重构戏曲舞蹈形式，如河南卫视《唐宫夜宴》通过将虚拟化的博物馆场景与现场舞蹈表演进行“无缝衔接”处理，使唐代乐舞与现代电音进行了一次跨时空的交流，而此节目一经播放，便深受大家的喜爱。这种基于大数据的舞蹈创作模式，不仅推动舞蹈艺术从单向传播形式转向互动共创传播形式，还可以让观众可通过弹幕、二创等方式参与内容生产，形成“音乐-舞蹈-观众”的三维互动生态。

2.2舞台表演中的融合创新

从音乐元素融合方面来看，舞蹈艺术进行舞台表演使不再局限于单一的音乐风格，现代舞编导可以将不同地域、不同时期的音乐文化进行有机整合，如把中国古琴曲的悠扬韵味和非洲部落鼓乐的强烈节奏相结合，创造出独特的听觉体验，进而在编排舞蹈动作时，能够促使舞蹈动作在舒缓与激昂的音乐之间来回转换，形成动静相宜的舞台表演效果。同时，也可以将电子音乐、爵士乐等现代音乐形式融入到传统舞蹈艺术表演中，为古典舞、民族舞注入新的活力，使传统舞蹈艺术语言在新的音乐语境中焕发出别样魅力；而在舞台呈现上，创作者利用多媒体技术，将不同音乐文化背景下的视觉元素投射于舞台，如展示异域音乐文化时，可以将精美的壁画投影在舞台中，让舞者在舞台光影的交织中完美演绎融合异域舞蹈语言与异域音乐文化的舞蹈作品，营造一个出神秘而绚丽的舞台氛围。另外，创作者还可以组织跨文化合作的舞台表演，即邀请中外优秀舞者共同演绎，将各自音乐文化特色融入到舞蹈动作中，通过肢体语言进行跨文化对话，展现多元音乐文化交融下舞蹈艺术的无限可能，为观众带来全新的审美体验。

2.3教育领域的融合创新

在课程设置上，高校及专业院校可以积极推动音乐与舞蹈课程的融合创新，打破传统学科界限，开设“多元音乐文化与舞蹈编创”等特色课程，在课程中引入世界不同音乐文化体系，如非洲鼓乐节奏、欧洲古典音乐结构及亚洲传统的音乐节奏等，不断让学生深入理解音乐与舞蹈在不同文化环境下中的共生关系，以及通过分析不同音乐风格下的舞蹈形式演变，培养学生跨音乐文化的舞蹈创作思维；而在教学方法上，教师可以采用项目式学习，组织学生参与以多元音乐文化为主题的舞蹈创作项目，鼓励他们自主搜集、研究特定的音乐文化素材，并将其融入到舞蹈艺术中，例如，在研究拉丁音乐文化时，学生不仅要学习其节奏特点，还需深入其诞生之地的文化背景，将所了解到的音乐知识与西班牙舞蹈的踢踏技巧、舞蹈姿态进行相融合，完成舞台表演，以此来在实践中提升他们的舞蹈艺术融合创新能力。高校及专业院校在考核舞蹈作品时，要注重音乐文化内涵的阐释与舞蹈表达的契合度，要鼓励学生突破单一审美舞蹈方式，展现其与多元音乐文化融合的独特魅力，这种教育领域的融合创新，不仅能够为舞蹈艺术培养了具有国际视野与创新能力的复合型人才，还可以推动舞蹈艺术在多元音乐文化的滋养下得到持续的发展。

3.多元音乐文化视域下舞蹈艺术融合创新的措施

3.1依据不同音乐文化创新舞蹈教学方法

舞蹈艺术应根植于多元音乐文化的独特性，持续地探索和创新舞蹈教学方法，以适应不同音乐文化所传达的深层内涵和价值，从而提升舞蹈艺术的本质和价值。在多元音乐文化的背景下，舞蹈艺术不仅是节奏和旋律的简单差异，更深刻地反映了不同音乐文化对舞蹈肢体语言的高标准和独特要求。因此，舞蹈艺术应依据多元音乐文化的本质特征，构建一个创新的三维教学体系，即“听觉感知-身体解码-文化阐释”，通过听觉和视觉的持续解析与重构，深入阐释多元音乐文化的精神内涵，实现舞蹈艺术价值的提升。

在听觉感知阶段，教师必须具备分析不同音乐文化的基础能力。只有深刻理解，才能逐步引导舞蹈人才识别和理解不同音乐文化所展现的节奏韵律和情感表达逻辑。在身体解码阶段，教师应突破传统的单一舞蹈技术培训模式，引入以音乐元素为核心的即兴身体训练体系，不断培养舞蹈人才在即兴创作中理解音乐文化内涵和扩展舞蹈动作的能力，以及适应不同音乐文化的动态身体机能。在文化阐释阶段，教师在进行舞蹈教学时应超越简单的形式模仿，深入理解不同音乐文化所传达的理念，并将舞蹈艺术与之融合创新。在此阶段，教师应不断分析和对比不同文化背景下相同主题的音乐与舞蹈融合表达方式，揭示舞蹈肢体语言背后的多元音乐文化深层含义，避免仅停留在表面的舞蹈风格拼贴。

此外，教师还可以设计“解构-重构-创生”的递进式训练模式。首先，让舞蹈人才根据不同的音乐文化深入分析现有的舞蹈肢体语言；接着，在中期阶段，根据不同的音乐文化和风格元素重构舞蹈表达方式；最终，通过真实的舞蹈艺术融合主题实践活动，实现多元音乐文化的深度表现。需要注意的是，在这一过程中，应注重舞蹈人才对多元音乐文化的认知与身体表达能力的同步发展，使舞蹈艺术成为理解多元音乐文化和创新个人表达体系的双重桥梁。

3.2优化音乐文化课程在舞蹈专业教育体系中的设置

当前，将音乐文化课程优化整合进舞蹈专业教育体系，已成为跨学科教育的核心理念。这一理念的价值不仅体现在舞蹈技术支撑的音乐节奏感知训练上，更在于舞蹈艺术与多元音乐文化融合表达方式的深层转型。在舞蹈专业中分析多元音乐文化课程时，教师应超越课程的工具性定位，构建一个以解析音乐文化基因、构建审美感知、赋能创作思维为主线的递进式课程体系。在这一过程中，初期课程应专注于解析和转译多元音乐的本体要素，建立乐理知识、节奏旋律与舞蹈肢体动作之间的对应关系，不断探索多元音乐文化体系结构与舞蹈空间轨迹的同构性。

在中期课程中，内容应聚焦于将多元音乐文化的精神内涵转化为舞蹈表达方式，构建一个多元音乐文化发展史与舞蹈发展史互相渗透、互相研究的体系框架。此时，舞蹈专业可以设置具体的专题模块，深入分析不同音乐文化对舞蹈语言形成的影响因素，并通过持续的比较研究揭示舞蹈肢体语言背后的音乐文化编码规律。例如，分析多元音乐文化中特定音乐调式与舞蹈情感表达之间的象征性关联，或探讨打击乐的节奏体系如何塑造原始舞蹈的身体记忆。

高阶课程应专注于将吸收的不同音乐思维迁移并转化为创新的舞蹈动作，设置音乐与舞蹈联合创作的体系框架，不断探索跨媒介的舞蹈表现形式。因此，在此基础上，教师应构建一个解析多元音乐文化素材和重构舞蹈肢体语言的方法框架，逐步引导舞蹈人才掌握将多元音乐文化精神转化为舞蹈肢体语言的能力。

3.3在舞蹈场景、服装、道具设计中融入音乐文化符号

在舞蹈艺术表演中，将视觉元素转化为音乐文化符号，已成为突破单一感官体验、丰富舞蹈艺术表现形式的关键策略。随着音乐文化符号在舞蹈场景、服装和道具等领域的深入融合，舞蹈创作者和表演者正逐渐将这种多元音乐文化审美的理念创造性地转化为具体的空间物质形态，并对音乐文化的本质进行深入的解析、重构和编码。例如，在舞蹈表演场景设计方面，舞台布置人员可以依据建筑声学原理构建隐喻性的音乐传播空间结构，如采用螺旋形舞台布局来模拟复调音乐，或使用可变声场装置来隐喻泛音的频率。

在舞蹈服装设计方面，设计师可以通过不对称剪裁来体现即兴音乐的自由精神，或利用层叠结构的服装来模拟音乐的多声部立体感。在选择服装面料时，应优先考虑与乐器特质相呼应的材质，例如，金属丝线编织的面料可以与管乐器的金属质感相呼应，而丝绸垂坠的面料则能与弦乐器的绵延特性相匹配。服装纹样的设计可以借鉴音乐符号，如将五线谱、休止符等抽象符号转化为装饰性的几何图案，或将主题动机的节奏韵律转化为重复性的图案，创作出可穿戴的音乐图谱。

在舞蹈道具设计方面，设计师可以将多元音乐文化符号具体化为互动装置，使用动态道具来模拟乐器的发声原理，如通过机械传动装置展现风琴音管的震动，或利用气压装置来再现管乐器的呼吸控制。静态道具则可以将和弦结构具象化为实体空间装置，使舞蹈表演道具不仅是多元音乐文化符号的载体，也是舞蹈肢体语言表达的延伸。通过这种方式，实现了多元音乐文化向舞蹈视觉叙事的完整转化。

4.结语

随着多元音乐文化的不断发展，其与舞蹈艺术的融合方式也会逐渐衍生出新的发展空间和创新方向了。其次，无论多元音乐文化与舞蹈艺术如何融合，都应注意以下两方面：一方面，多元音乐文化视域下的舞蹈融合创新应考虑多种音乐文化因素，如音乐的类型、文化背景及时代特征等各方面；另一方面，在多元音乐的文化背景下，舞蹈创作者应注意将舞蹈艺术与不同音乐元素的协同融合，要根据具体的音乐文化编排舞蹈，以此来创作出更加多元化的舞蹈艺术表现形式。

文章来源：《尚舞》https://www.zzqklm.com/w/wy/26862.html