大学舞蹈教学中创意思维的培养分析

摘要：在高等艺术教育体系里，舞蹈教学作为培育专业艺术人才的重要环节，正遭遇艺术形态多元化演进与行业创新需求攀升的双重压力。传统大学舞蹈教学长久以来存在侧重技能模仿、忽视思维创造的倾向，难以契合新时代对舞蹈艺术人才个性化表达及原创能力的更高要求。文章基于舞蹈教育的本质规律，从培育学生创新能力、提升艺术表现力、塑造个性化创作思维的维度，深入探究大学舞蹈教学中创意思维培养的重要意义。结合教学实践发现，当下创意思维培养面临传统教学模式的束缚、师生互动缺乏深度、评价体系导向存在偏差等实际问题。基于这些困境，研究提出构建开放式教学体系、创设互动性创作场域、建立多元评价机制等策略，以突破思维培养的瓶颈，为新时代舞蹈专业人才培养提供理论依据和实践路径，帮助学生在技能积累的过程中实现艺术思维的突破与创新。

关键词：大学舞蹈教学；创意思维；培养困境；培养策略

1.大学舞蹈教学中培养学生创意思维的重要性

1.1提升学生舞蹈创新能力，以适应艺术发展需求

在大学舞蹈教学中，培养学生创意思维能有效提升舞蹈创新能力，让学生更好顺应艺术发展所需。艺术发展本就是持续创新、不断突破的进程，舞蹈作为艺术重要表现形态，自当紧随时代脚步，在创作中持续融入新元素、新理念。创意思维的介入，能让学生挣脱传统舞蹈思维的禁锢，不再困守于模仿与重复既有动作及编排模式，转而从多元视角出发，探寻舞蹈表达的更多可能性。当学生拥有创意思维，其对生活的观察会愈发敏锐，善于从日常中捕捉灵感，将看似无关的元素有机融入舞蹈创作。诸如现代科技的独特美感、自然景观的动态韵律、社会现象的深层内涵，皆可成为创作源泉，促使其打造兼具独特风格与时代特征的舞蹈作品。这种创新能力，能让学生在未来艺术道路上，从容面对多变的艺术环境与观众需求，持续产出新作以推动舞蹈艺术的发展。何况艺术领域竞争日趋激烈，唯有具备创新能力的舞者，方能在众多艺术家中崭露头角，赢得更多发展机遇。由此可见，培养创意思维、提升创新能力，实乃大学舞蹈教学适应艺术发展需求的必要路径。

1.2增强学生舞蹈艺术表现力，赋予作品独特内涵

在大学舞蹈教学中，培养学生创意思维能增强学生舞蹈艺术表现力，赋予作品独特内涵。舞蹈依靠肢体语言传递情感、表达思想，而创意思维能让学生摆脱技术堆砌的浅层表达，在动作与内心体验间搭建深层联结。当学生运用逆向思维、联想思维等方式解构传统舞蹈动作范式时，他们既能精准把握人物情感的微妙变化，又能通过动作节奏的调整、空间调度的创新和符号意象的构建，为舞蹈作品注入独特的精神内核。例如，在历史题材舞蹈创作中，创意思维促使学生不局限于历史场景的简单重现，而是借助抽象的肢体隐喻来展现时代精神；在现代舞创作中，学生可对日常动作进行陌生化处理，从中挖掘平凡生活里的诗意与哲思。这种能力让舞蹈不再只是肢体技巧的展示，而成为承载个体体验与集体记忆的艺术形式，使作品在展现专业技术水准的同时，还能在情感层面与观众产生深层共鸣，实现舞蹈艺术以技传情、以情达意的至高境界。

1.3培养学生个性化创作思维，满足行业多元要求

文化产业的繁荣使舞蹈行业对人才的需求发生转变，其不再局限于单一的舞者，而是需要兼具编创、教学、策划等能力的复合型艺术人才。培养学生的创意思维，能让他们跳出标准化训练形成的思维定式，进而拥有独特的艺术视角与创作风格，更好地顺应行业多元化的发展潮流。在演艺领域，具备个性化思维的舞者能迅速领会不同导演的创作意图，在即兴编创时彰显独特的艺术个性；在教育领域，他们可把创意理念融入教学实践，借助启发式方法提升学生的艺术感知力；在文化创意产业中，其独有的思维方式能为舞蹈与影视、新媒体、文旅项目的融合提供创新思路。这种能力不仅是学生职业发展的核心竞争力，还是推动舞蹈行业突破传统边界、拓展艺术应用场景的重要力量。只有拥有个性化创作思维的人才，才能在多变的行业环境中明确自身定位，以差异化的艺术表达满足市场对多元舞蹈产品的需求，为自己的职业发展开拓更广阔的空间。

2.大学舞蹈教学中创意思维培养面临的困境

2.1传统教学模式侧重技能训练忽视创意启发

传统大学舞蹈教学长期延续师傅带徒弟的训练范式，课堂重心集中于肢体柔韧性、动作规范性等技能层面的强化，形成重技轻艺的教学倾向。教师多以经典剧目片段为模板，通过反复示范、纠正学生动作细节推进教学，却对动作背后的创作逻辑、情感表达的多元可能性缺乏深入阐释。这种模式下，学生长期处于被动接受状态，习惯于对既定动作的精准复刻，逐渐丧失主动思考与独立编创的意识。课程体系中，技术训练课占据绝对比重，而创意编创、舞蹈理论等启发思维的课程被边缘化，使得学生对舞蹈的认知停留在肢体技巧集合层面，难以理解舞蹈作为艺术创作载体的本质属性，更难以形成个性化的艺术表达逻辑。

2.2师生互动局限于既定动作讲解缺乏思维碰撞

当前大学舞蹈课堂的师生互动大多围绕具体动作的规格、力度、节奏展开，教师的主导作用更多体现在纠错上，而非启发学生的思维，学生的提问也常常局限于技术执行层面的困惑，很少涉及舞蹈创意、情感表达、主题建构等深层次的问题。这种单向的信息传递模式，使课堂变成了教师的示范场，而非师生共同思辨的场所，导致学生难以获得充分表达艺术见解、阐释创作意图的机会。部分教师受固有教学经验的影响，对学生提出的非常规动作构想或个性化表达倾向，往往会以“不符合风格规范”“动作语汇不统一”等理由加以否定，这在一定程度上抑制了学生主动探索的积极性。长此以往，课堂互动陷入讲解、模仿、纠正的机械循环，师生之间缺乏基于艺术理解的思维碰撞，学生的创意思维萌芽因得不到足够的培育而逐渐萎缩。

2.3评价体系以模仿程度为标准抑制创新表达

现行评价体系里，课程考核与作品展演对学生的评判，核心指标多是动作完成度及与示范版本的相似度，而对于编创作品的主题创新性、动作语汇独特性、情感表达深刻性等方面，缺乏系统考量。这种重模仿轻原创的评价导向，使得学生在学习时更在意精准复现教师示范或经典作品的动作细节，而非思考如何借助舞蹈表达个人情感、传递独特观念。在创作类课程中，教师常因缺少科学的创意评价框架，难以对学生的创新尝试进行有效引导，还往往用个人审美偏好取代专业评判，进一步加剧了学生对既定范式的依赖。处在这样的评价环境，学生逐渐形成求稳不求新的思维定式，担心突破常规会使评分降低，严重削弱了学生创新表达的内在动力。

3.大学舞蹈教学中创意思维的培养策略

3.1引入开放式教学方法，鼓励学生自主编创

针对传统教学重技轻艺的问题，教师应引入开放式教学，以打破标准化技能训练的封闭体系，构建以激活学生创作潜能为导向的动态教学架构。在课程设计上，教师应打破技术课与理论课的分割，把编创训练以模块形式融入基础教学。这种改革方向，正是以创造性思维和想象力为基础的创造力培养教育的核心体现，它可以说是培养新型创意人才的最佳方式。换句话说，学习解决新问题的思维过程是创造力教育的目的。在教育教学过程中可以引导学生利用创造性思维工具打破常规思维，生成新的创意。例如，由美国心理学家Bob Eberle提出的SCAMPER思维工具，其包含7个步骤：替代（Substitute）、结合（Combine）、适应（Adapt）、修改（Modify）、其他用途（Put to other uses）、消除（Eliminate）、重组（Rearrange）。该技法通过系统化的提问，立体化思维解决问题和产出有效的创意。通过思维工具和多种媒介如音乐、视觉艺术、戏剧等扩展编舞思维，提升舞蹈创造力。舞蹈创作课程的核心在于培养学生的创造性思维和问题解决能力，当想法停滞不前时，这种思维技巧可以系统地、逐步地创造新想法帮助提高创造力和想象力。

教师在教学中可构建自主探索、工具支持、过程留白的教学模式，开发包含动作联想转盘、结构编排模板、技术转化指南的创意思维工具箱，供学生自主选取辅助构思，还可以设置即兴实验时间，让学生自由表达肢体动作，教师记录创意点并在课后一对一帮助其梳理逻辑，如将学生即兴中的动作组合引导关联到特定主题，形成编创动机。

为推动自主编创落地，教师可建立作品孵化机制，从课堂片段到完整剧目设置三级转化通道，初级片段经展示点评筛选，优质片段进入再延展深化，成熟作品推荐至展演或比赛，形成“构思-实践-反馈-提升”的闭环。这种教学方法通过结构化任务、工具化支持、包容性空间，让编创能力培养成为基础训练的一部分，使学生在技术学习中形成主动创作的思维习惯，解决传统教学中创意与技能训练脱节的问题。

3.2构建互动式课堂氛围，引导学生交流创意想法

为破解师生互动中单向度信息传递的困境，教师要打造以思维碰撞为核心的互动式课堂，构建多维度、多层次的交流平台。

教师应革新课堂组织形式，采用工作坊式教学布局，把传统排排坐模式变为环形或分组讨论式空间，为即兴交流创造物理条件，在教学环节中增设创意阐释时间，让学生完成编创片段后用语言阐述作品的主题构思、动作设计逻辑及情感传递路径，其他学生就创意独特性、表达准确性提出疑问或建议，形成“创作-阐释-思辨-修正”的闭环互动。

教师还可以设计“动作接龙创编”“主题意象传递”等针对性互动训练活动，促使学生短时间内对同伴创意作出反应，培养快速捕捉灵感、转化艺术构思的能力，如在“动作接龙”中，学生依次基于前一位同学的动作动机发展变化，教师引导学生观察动作发展逻辑链条，分析不同创意视角下的可能性，避免陷入单一动作模仿惯性。

同时建立师生创意对话机制，教师定期分享创作经历与困惑，坦诚探讨艺术构思中的瓶颈与突破过程，营造平等交流的课堂文化，消除学生对权威的畏惧心理，鼓励其大胆提出非常规创意设想。针对教师可能存在的思维定式问题，引入“双师同堂”或“跨班级创意交流”模式，邀请不同风格的教师或高年级学生参与课堂讨论，通过多元视角碰撞激发创新火花，如在编创课上安排舞蹈专业教师与音、美、戏剧跨专业教师共同点评学生作品，引导学生从不同体系的审美逻辑出发审视自身创作，避免陷入单一风格局限。

此外，建立创意反馈日志，要求学生记录课堂上受到的启发、产生的疑问及对同伴创意的反思，教师定期批注回应，将课上即时互动延伸至课后持续思考，形成立体化的思维交流网络，通过将互动贯穿于创作全过程、以多元主体参与激发创意碰撞的方式，逐步打破传统课堂中教师示范、学生模仿的机械循环，为创意思维的萌发提供丰沃的交流土壤。

3.3建立多元评价机制，重视作品原创性和独特性

针对传统评价体系存在重模仿、轻原创的导向偏差，课程多元评价机制的构建需从评价主体、评价维度、评价过程进行系统性改革。

在评价维度上，高校要重构指标体系，除保留动作规范性等基础技术指标外，增设创意独特性、主题阐释力、动作语汇创新性、情感传递效度等核心维度，避免仅以模仿程度作为评判依据，如在剧目考核中要求学生在复现经典片段后加入自主编创内容并将其创意表现作为重要评分项。

在评价主体上，引入学生自评、同伴互评与行业专家评价相结合的模式，学生自评需提交创作思路报告，阐述创意来源与自我反思，同伴互评采用匿名打分与书面评语结合的方式关注创意新颖性与表达完整性，行业专家评价则邀请编导、舞团艺术总监等校外专业人士参与评审，以引入行业前沿创意标准。

在评价过程中，推行以过程性评价为主、终结性评价为辅的动态评估机制，将创意构思、素材收集、方案修改等环节表现，以及课堂即兴编创尝试、创意提案迭代过程纳入评价范畴，而非仅以最终作品完成度论优劣。

此外，要注重评价语言的引导性与建设性，教师评语需针对创意亮点具体分析并提供可操作的改进建议，对具有突破性但完成度不高的作品设立“创意先锋奖”“独特表达奖”等专项奖励，以强化对原创精神的价值认同，定期举办创新作品展演”，将学生原创作品作为主要展示内容，并邀请校内外人士观摩，通过多维度指标引导、全过程动态评估、多主体共同参与，从根本上扭转学生求稳不求新的思维定式，让评价机制成为创意思维培养的重要助推器。

4.结语

大学舞蹈教学中创意思维的培养，是对艺术教育本质的回归，亦是对时代创新诉求的应答。本文揭示了创意思维培养重要性、解构现实困境、建构实践策略，形成了从理念更新到方法革新的完整逻辑链条。唯有打破传统教学思维定式，在技能训练中融入创造性思维培育基因，于课堂生态里搭建思维碰撞的对话平台，在评价体系中建立鼓励原创的价值导向，才能让学生掌握舞蹈技艺的同时，真正具备用身体语言独立思考与个性表达的能力。面向未来，高等舞蹈教育需深化对创意思维培养规律的认识，将其贯穿课程设计、教学实施与艺术实践全过程，助力学生在传承中突破、于积淀中创新，最终成为兼具技术功底和艺术思想的新时代舞蹈创作者，为舞蹈艺术可持续发展注入创新活力。

文章来源：《尚舞》https://www.zzqklm.com/w/wy/26862.html