国标舞艺术表演舞创作实践探究

摘要：近年来，国标舞在全球范围内受到了广泛的关注与喜爱。艺术表演舞作为国标舞的一个重要分支，不仅展现了舞者高超的技艺，更通过丰富的创作实践，传达了深刻的文化内涵与审美价值。文章旨在通过对国标舞艺术表演舞创作实践的深入探究，分析其在提升个人艺术修养、增强文化传承、促进教育与人才培养以及满足社会文化需求等方面的重要意义，并结合具体案例分析其在创作过程中的关键环节与挑战，提出相应的解决思路。通过本研究，期望能为国标舞艺术表演舞的创作实践提供有益的参考与启示。

关键词：国标舞；艺术表演舞；创作

国际标准舞艺术表演舞（以下简称表演舞）以国际标准舞为作品创作语言基础，以舞台化的舞蹈作品为输出形式，有别于传统国标舞的赛场属性，构建起独特的艺术表现体系。表演舞不断发展，作品量不断加大，但现有创作实践多侧重于技术动作的堆砌，缺乏对作品的整体把握。因此，本文从舞蹈创作视角探索国标舞艺术表演舞作品的艺术构建，解析优秀表演舞作品，探究其创作规律与表现机制，具有重要的实践价值和艺术意义。

1.国标舞艺术表演舞创作实践的意义

1.1 提升个人艺术修养与技能

国标舞艺术表演舞创作实践为舞者提供了全方位发展的艺术平台，显著提升综合艺术素养。其创作过程要求舞者深入挖掘角色内心世界，通过精细的身体语言传达复杂情感，从而培养敏锐的艺术感知力与表现力。在动作设计环节，舞者需精通国标舞基本技法，同时掌握动作质感的变化技巧，理解力度与情绪表达的关联性，体现出“为作品服务”的艺术理念。创作实践促使舞者突破单一舞种限制，探索多种艺术元素与现代表达的结合可能。这种多维度的实践锻炼，使舞者在技术层面获得突破，同时在艺术表达、审美判断和文化理解等方面取得质的飞跃，为其职业发展奠定坚实基础，促进舞者向全面型艺术人才方向转变。

1.2 增强文化传承与创新

国标舞艺术表演舞创作实践承载着深厚的文化传承与创新功能。表演舞作为国际标准舞的舞台化艺术形式，既保留了传统国标舞的精髓，又打破了其竞技化的局限。通过创作实践，实现国际舞蹈语汇与多元文化精神的对话。这种跨文化创作不仅赋予国标舞新的文化内涵，更促进了东西方舞蹈艺术的交流互鉴。这种创新实践超越了简单的文化符号拼贴，通过挖掘不同舞蹈形式的核心共性，提取其本质精神，进而实现艺术创新。国标舞艺术表演舞创作实践构建了一种新型文化传承模式，既尊重传统又勇于创新，为舞蹈艺术的可持续发展提供了宝贵经验，同时也在国际文化交流中彰显了文化自信。

1.3 促进教育与人才培养

国标舞艺术表演舞创作实践对舞蹈教育体系的完善与人才培养具有积极的推动作用。创作实践将理论与实践紧密结合，打破传统舞蹈教育中技术训练与艺术表达相割裂的局面。通过实践教学，学习者能够接触身体语言多维度创作、编舞技法、人物形象塑造等核心创作元素。创作实践为教学提供了空间意象建构的范例，展示如何通过灯光、布景等舞台元素营造丰富的叙事空间。创作实践还培养了学生的跨学科综合能力，如音乐理解能力、空间感知能力、角色叙事能力等。这种全方位的实践教学模式，培养了具备国际视野与民族情怀的复合型舞蹈人才，使其能够应对当代舞蹈艺术发展的多元需求。创作实践形成的理论成果又反哺教学内容，构建了“实践—理论—再实践”的良性循环，推动了国标舞教育体系的科学化、系统化与现代化。

1.4 满足社会文化需求

国标舞艺术表演舞创作实践积极回应了当代社会的多元文化需求。随着物质生活水平提高，大众对高品质艺术作品的需求日益增长。表演舞作品通过舞台化呈现，使国标舞不再只局限于赛场，使更广泛的观众群体能够欣赏国际标准舞的艺术魅力。创作实践关注社会热点与人文情怀，聚焦家庭亲情、乡愁离别等永恒主题，例如“中西融合”契合了当代社会对情感表达与精神慰藉的需求。国标舞艺术表演舞作品的艺术创新也满足了社会对文化多样性的追求，东西方文化的交融创新既保留了国际化表达，又彰显了民族特色，运用西方的舞蹈肢体语言去讲述中国故事、中国精神等，形成了具有普适性与独特性的艺术表达，满足了社会对高质量文化产品的需求，促进了国标舞艺术的普及与发展，提升了社会的整体审美水平。

2.国标舞艺术表演舞创作实践案例分析

2.1身体语言的多维度创作

在国标舞艺术表演舞的创作中，身体语言作为最直接、最生动的表达手段，其多维度创作显得尤为重要。创作者需要深入挖掘舞蹈角色的内心世界，通过细腻、丰富的身体语言来传达角色的情感变化和故事发展。动作编织作为舞蹈创作中的最大任务，其判断准绳在于“为作品服务”的原则，即从作品的表意需求、情感需求出发进行设计。《台海谣》中所有的动作素材突破了单一舞种限制，提取国际标准舞拉丁舞中不同速率的动作进行重组搭配，以体现恋人间初识的打闹与羞涩。例如，动作“fan”利用其原有的双人舞引带关系，通过极致的拉力将情感传递具象化；牛仔舞动作的变形解构再重组，则巧妙展现了男女间的情感互动。这些精细设计的动作不仅具有美感和节奏感，还在舞台上形成强烈的视觉冲击力。

身体语言的多维度创作中对动作综合质感的把控极为重要，动作精细度与艺术张力的综合表现‌，包含动作细节的技术处理和艺术感染力的融合，都会表达出不同的情感与意味。《台海谣》在动作质感的处理上，注重“力”的合理运用，通过力度变化与情绪态度对位，增强了作品的情感传递。该作品呈现的中国式含蓄内敛的情感方式，正是通过“力”的有机编织，将“我想你”巧妙转换为“我等你”。在双人配合中，主被动关系的调整改变了原有引带模式，产生了不同的艺术意味。对于舞种融合问题，《台海谣》避免了机械嫁接不同舞种的舞姿动作，而是提取身体运动方式的核心共性，在动作选取上摒弃风格过于显著的元素，采用中性介质动作串联，弱化舞种间的突兀感。这种对舞蹈姿态的精心设计与转换，使观众能够清晰感受到故事情节的发展和角色情感的起伏，大大增强了作品的艺术感染力。

2.2空间结构的艺术编排

在国标舞艺术表演舞的创作中，空间结构的艺术编排是至关重要的环节。它不仅关乎舞蹈的视觉效果，更是舞蹈情感与意境传达的重要手段。舞台空间作为舞蹈作品叙事的物质载体，其结构性编排本质上是对物理空间进行符号化转译的过程。其核心命题在于：如何通过空间意象的建构，实现舞台空间从物理维度向叙事及情感维度的转化，最终形成视觉表征与作品意识形态诉求的辩证统一。《妈妈的日记》中，创作者以“日记”作为叙事媒介，通过灯光的切割与转换，营造了“回忆”与“现实”双重交织的虚实空间。舞台前区白色光圈构建现实空间，后区暖黄色光圈表现虚拟回忆空间，女儿与父母的对望完成了现实与回忆的空间对话。当女儿奔向父母时，呈现了她"走进日记"的空间转变。当女儿从美好回忆的空间中回到现实空间，通过翻书翻页再一次形成符号意象的空间隐喻，女儿越翻越快她仿佛看到了父母的危险与斗争，再一次奋不顾身地奔向了虚拟空间的父母，自此作品便也形成了空间闭环的形式，通过一次又一次空间的转换，将整部作品的情绪调性逐渐推向高潮。

空间结构的艺术编排要求创作者在有限空间内，通过巧妙布局与调度，营造丰富的层次感与立体感。《妈妈的日记》中，创作者对舞蹈空间展现了敏锐感知与独到理解，准确把握了动作在空间中的位置、方向与轨迹关系。舞台空间的合理布局使舞蹈画面生动饱满，增强了观众的视觉冲击力与沉浸感。同时，空间结构与作品主题、情感意境紧密呼应，灯光的精妙运用不仅界定了虚实空间，还营造了浓郁的情感氛围。女儿在两个空间的往返穿梭，越翻越快的日记页面暗示父母经历的危险斗争以及往日的美好时光等等，使她再次奋不顾身地奔向虚拟空间中的父母。这种空间编排与音乐、灯光等元素的协调统一，共同构建了完整和谐的舞蹈艺术世界，展现了“意象化手法”传递情感的艺术特质，强化了历史与当下的对话感。

2.3音乐设计的整体规划

在国标舞艺术表演舞创作中，音乐设计的整体规划扮演着至关重要的角色。音乐作为舞蹈作品的核心要素，其有效的设计能够显著增强情感传达的效果。国标舞音乐本体具备鲜明属性，如拉丁舞中恰恰恰音乐以4/4拍为主，每分钟32-34小节。《颜裳》的音乐设计展现了卓越的创新性，通过中西音乐元素的融合与非遗符号的现代转化，构建了跨文化的听觉叙事。其音乐创作提取拉丁舞节奏为框架，同时巧妙融入中国传统戏曲音乐元素和非遗符号，如恰恰的轻快切分音、桑巴的复合节奏被保留，加入中国传统打击乐器戏曲锣鼓、木鱼等，丰富了听觉上的层次感与张力。在配器设计上，《颜裳》根据拉丁舞的情绪特征进行差异化处理，伦巴的缠绵段落中融入古筝抒情旋律与笛子装饰音的交织，斗牛的激昂段落则借助二胡、唢呐等展现对峙色彩。这种以拉丁舞节奏型为骨架，解构重组中国传统音乐符号的创新手法，既保留了中国文化基因，又实现了国际化表达的突破，构建了中西文化交融的听觉新范式。

《台海谣》的音乐设计则展现了另一种创新路径，实现了闽南民乐与西洋乐的融合。该作品巧妙地融合了旋律、节奏与和声，增强了情感表达与故事叙述。开场选用《望春风》清唱版本，将闽南传统曲调与伦巴舞步完美结合，营造凄美的氛围；分离段落融入唐顿庄园主题旋律，打破拉丁舞对节奏的固有局限，以旋律先行方式编排复合型节奏动作，渲染离别伤感；结尾再次回到《望春风》，通过干净简单又富有东方韵味的唱词表达隔岸相望的思念之苦。在情感转折处，音乐的渐强、突强等手法与动作能量变化紧密配合，深化了情感表达。这种精心设计的节奏变化使舞蹈动作与音乐节奏形成完美同步，强化了舞蹈的情感张力。音乐与舞蹈动作的呼应实现了情感与节奏的高度统一，为观众带来深刻的艺术体验，展现了国标舞艺术表演舞在音乐设计方面的独特魅力。

2.4舞台效果的综合呈现

舞台艺术效果的创造需要多种元素的精心设计与完美配合，是展现作品整体艺术价值的关键环节。服装设计应既符合作品主题又便于展现动作，可以在传统与现代风格之间寻求平衡。《颜裳》的服装造型上，在拉丁舞的竞技性与中国传统美学的写意性之间找到平衡点，拉丁舞服装常见的亮钻、管珠与戏曲服饰的丝绸、刺绣相结合。例如女舞者的裙摆采用高开衩设计保留拉丁舞动感需求，表面缀以手工刺绣的云纹图案，体现“动静相宜”的美学理念。变脸所需的服饰道具经过特殊设计，确保动作流畅性与安全性。例如，脸谱切换装置隐藏在服装腰间或后背中，通过磁吸或暗扣技术实现快速变脸，避免影响舞蹈动作。服装设计以“非遗为魂、跨界为形”为核心理念，通过传统符号的现代化解构、中西材质的创新融合，以及功能性与艺术性的精密平衡，构建了兼具文化深度与舞台表现力的视觉语言。妆容设计吸取戏曲元素融合拉丁传统造型，例如保留女生传统拉丁中分服帖发型，加入戏曲鬓角，用黑色亮钻贴片代替传统画眉，提高其妆容的独特性与时尚感。传统符号现代表达为核心理念。

道具的选择和运用要服务于情节发展，避免成为表演的负担。《妈妈的日记》中设计了“餐桌”的小置景，而其道具的组成随着剧情发展形成了道具属性上的转变，是服务于作品情节发展的中性介质。例如在第一段中“餐桌”营造了美好回忆中一个家庭团聚品尝佳肴的温馨场景，挥发了道具本属性特征。随着剧情的发展，在第二段中“餐桌”又变为了父母向党组织传递重要情报的唯一媒介，在道具属性上从“餐桌”转变为父母工作的“工作台”，不仅交代了父母的危险处境又揭示了其身份的特殊。灯光设计需要准确把握作品的情感基调，通过不同的光色和明暗变化营造特定的舞台氛围。舞美布置要突出作品的整体风格，既要考虑实用性，又要注重艺术美感。在实际创作中，还要注意各种舞台元素之间的协调统一，确保每个细节都能准确传达作品的主题思想。特别是在关键场景的处理上，要通过灯光、音响等技术手段的综合运用，创造出独特的艺术效果，增强作品的视觉冲击力和情感感染力。

3.国标舞艺术表演舞创作实践面临的挑战与解决思路

3.1国标舞作品创作方式及题材选择适配度的把控

在表演舞的创作中，不可避免会提及是否应与其他舞种及艺术门类融合的问题。融合式的创作当然是一种创新的创作路径，但一定不是唯一路径。是否融合应是创作者自觉性的选择，而不应该成为一种自发的盲从。表演舞作品的身体语言在完成作品需求的同时，应该符合国标舞的身体运动审美范式。正如这些年所大热的“中国传统文化题材国标表演舞创作”中，中国古典舞舞姿、身韵与国标舞的结合已经被广为尝试，但留下的精品却少之又少，大多数失败的创作皆是因为机械化的嫁接了中国古典舞的舞姿与动作，而非提取两个舞种之间的身体运动方式的核心共性，在准确的形象表达中有机融合。

国标舞源自西方舞蹈体系，其基本动作语汇、音乐节奏、表演风格均带有鲜明的西方文化特质。当国标舞在中国发展并尝试融入中国传统文化元素时，不可避免地遭遇中西方审美差异的矛盾。西方舞蹈注重外向性表达、张力与爆发力，强调直接明快的情感呈现；而中国传统舞蹈则崇尚含蓄内敛、以意带形、寓情于景。这种审美取向的根本差异导致国标舞艺术表演舞在中国元素融入过程中常出现生硬嫁接、形神分离的现象。题材的选择是国标舞作品创作的重中之重，并不是任何题材都适配于国标舞，解决思路应从深层文化心理结构入手，不停留于表层文化符号的简单套用，而是通过挖掘中西方文化的共通性，提炼东西方艺术表达的共同审美心理基础，找到于国标舞审美适配的题材，实现有机融合。以情感共鸣为纽带，架起中西方审美交流的桥梁。

3.2作品风格与表现力问题

国标舞艺术表演舞的第二大挑战在于作品风格定位与表现力构建。当前创作实践中，许多作品过于注重技术动作的堆砌，缺乏对整体风格的准确把握与独特表现力的塑造。作品风格同质化严重，难以形成鲜明的个人或流派特色。表现力方面，部分作品虽技术精湛但缺乏情感深度，无法触动观众内心。为应对这一挑战，创作者应从三方面着手：首先，加强主题创新与深化，从生活、历史、文学等多元素材中汲取灵感，构建具有思想深度的作品内核；其次，注重艺术手法的创新突破，不要被“中西融合”的概念限制了创意，拓宽表现形式与手段；最后，强化情感表达的真实性与感染力，通过精准的动作设计、空间编排与音乐配合，使技术服务于情感表达，而非仅仅展示技巧。创作者应培养多元文化视野与系统艺术思维，在传承与创新的辩证统一中，打造具有独特风格与强大表现力的国标舞艺术表演舞作品。

3.3 创作观念与理论建构问题

创作观上需先厘清表演舞的创作是“作品需求”为先，还是“国标舞本体需求”为先？是为了完成一个国标舞，还是完成一个舞蹈作品？笔者的创作观是舞台呈现的一切最终是为了作品服务，而国标舞艺术表演舞之于其他舞种作品的区别，只是以“国标舞”的身体运动方式作为作品的语言基础。正如我们在日常生活中学习语言中，无论是中文、英语还是法语，最终目的是为了沟通，而不是语言本身。单一的文字不构成表意本体，而是将文字按照所需的表意加以组织，才形成最后的表达，在舞蹈作品的创作中亦然。

国标舞艺术表演舞面临的关键挑战是创作体系不完善与理论建构滞后。作为新兴表演形式，国标舞艺术表演舞尚未形成系统的创作理论与方法论。多数创作者仅依靠个人经验与直觉进行创作，难以实现经验的有效积累与传承。尤其学术界对其理论研究相对薄弱，缺乏深入的学理支撑。为了应对这一挑战，创作者应从两方面着手：首先，系统总结优秀作品创作经验，提炼共性规律，建立合理科学的创作方法体系；其次，加强多学科理论研究，从美学、文化学、符号学等视角分析其艺术特质与发展规律，为创作实践提供理论指导。同时，建立反馈机制，促进创作经验交流，推动国标舞艺术表演舞的规范化、专业化发展。

4.结语

从创作实践视角深入探讨表演舞作品的艺术创新与价值意义，系统解析《台海谣》《妈妈的日记》《颜裳》等优秀作品中情感与动作的多维呈现，探究表演舞作品中叙事结构、动作语汇、音乐编配与舞台呈现的有机统一，梳理了表演舞的创作元素，深入研究了其表达机制。这种实践性的理论梳理为后续作品的创新发展提供了有益的参考与指导。

文章来源：《尚舞》https://www.zzqklm.com/w/wy/26862.html