中国古典舞身韵在当代舞蹈创作中的传承与创新应用

摘要：中国古典舞身韵作为中国古典舞的核心与灵魂，不仅是一套独特的动作体系，更是一种深植于中华传统文化的艺术思维方式。文章以中国古典舞身韵在当代舞蹈创作中的传承与创新应用为研究对象，首先剖析身韵“形、神、劲、律”的美学特征及其蕴含的文化精神；进而探讨其在当代创作中从动作语言转化到美学精神延续的传承路径；在此基础上，重点研究身韵在解构重组、跨文化融合及科技手段介入等方面的创新实践；并结合具体当代舞蹈作品案例，解读身韵在创作中的具体呈现与表达。最后，反思当前身韵传承与创新面临的挑战，并提出未来的发展思路，旨在为中国古典舞身韵在当代的“活化”传承与创新性发展提供理论参考与实践启示，彰显其在当代舞蹈创作中的持久生命力与时代价值。

关键词：中国古典舞；身韵；当代舞蹈创作；文化传承；创新应用

在当下多元文化交融的时代，身韵也面临着新的问题：当人们将传统动作融入当代作品中，是否还能保持原有的韵味？当编导们拆解重组“云手”、加快“圆场”节奏时，人们所获得的是创新，还是对传统的损耗？这些问题并无标准答案。但笔者能够从已有的作品和实践中，探寻到一些值得思索的线索。

1.身韵的美学特征

身韵的核心，可概括为“形、神、劲、律”四字。“形”处于最外层，指的是可见的动作、姿态及其连接方式。然而，身韵之“形”并非随意为之，而是有其规范。以最简单的“提沉”为例，吸气时身体向上伸展，呼气时缓缓下沉。在这一提一沉间，不只是胸腔的升降，更关键的是气息的流动。经验丰富的老师会指出：“仅做动作是不够的，需让气息引领动作。”“神”则更具深意。它并非具体的技艺，而是一种状态，一种蕴含于眼神中的特质。钱宝森先生有一形象表述：外形动作仅占三分，七分皆在“心意”之中。若在舞台上表演《春江花月夜》时，心里只想着“下一个动作是什么”，呈现在观众眼前的便是空洞的；若心中真有那江水、那月色，眼神自然会恰到好处。“劲”与“律”是蕴含于节奏中的技巧。身韵的节奏有别于音乐，有其自身的逻辑。该舒展时要充分舒展，该迅速时要干净利落。孙汉明教授在给学生授课时反复强调：“慢而不断，快而不乱，动中有静，点中有线。”这十二个字，精准地阐释了身韵的节奏美学。

认真观察身韵动作，可发现一个规律：几乎不存在直线。手臂呈圆形，运动轨迹为圆形，转身同样是圆形。即便“拧倾”这种看似偏斜的姿态，也是在圆形的框架内完成的。这个“圆”并非技术层面的巧合，其背后蕴含着中国人历经数千年形成的审美习惯。从道家的太极图，到古代的园林建筑，再到书法中的回锋，均讲究一个“圆”字。圆象征着循环，意味着含蓄，代表着不把话说得过于直白。在舞蹈中的体现，便是“欲左先右，欲前先后”——若要向左移动，需先向右蓄积力量；若要向前行进，需先有一个微微向后倚靠的动作。这种反向的发力方式，使身韵动作具备了层次感与独特韵味。

身韵之中蕴含着更深层次的内涵，此乃传统文化所留存的精神印记。例如“中和”，身韵的动作追求不偏不倚、刚柔并济。若过于刚硬，则显生硬，此并非中国舞应有的特质；若过于柔弱，则显塌软，亦非中国舞的风格。优质的身韵，需在刚与柔之间寻得平衡。又如“自然”，道家主张顺应自然，这在身韵中体现为一种呼吸的节律。动作并非刻意为之，而是随气息自然流转而生。部分编导将其总结为“气随形生，以韵驭势”，正是这个道理。再如“空灵”，佛教传入中国后，那种空灵超脱的意境融入了舞蹈之中。在《只此青绿》里所呈现的极慢移动、近乎静止的控制，实则是“空灵”的现代表达。

故而，身韵并非仅仅是一种技术，而是一种身体化的传统文化。学会身韵，在一定程度上也就理解了中国人对身体的认知以及对世界的理解。

2.传承路径

2.1动作语言的转化

最为直接的传承方式，乃是将身韵动作应用于当代作品之中。此应用方式可分为两类。其一为较为“显性”的运用，例如在革命历史题材作品里，借助身韵动作来塑造人物形象。舞剧《黄河》便是一个典型范例，其大量选用身韵课堂中的动作素材，将“拧倾”的动态以及水云般的流动质感，融入宏大叙事之中，营造出震撼人心的气势。其二为“隐性”的运用。舞者虽未做出标准的“云手”“盘腕”动作，但从他们身上能够察觉到身韵的痕迹——诸如发力方式、节奏处理以及空间意识等，皆源自身韵。编导孙颖先生的作品堪称典型代表。他所创作的是汉唐舞，从表面看来与身韵并非同一风格路径，然而他所强调的“兴感”“身感”，实际上是对身韵精神更为深层次的继承。

2.2美学精神的延续

某些传承，从动作层面难以察觉，却能让人切实感知。舞剧《只此青绿》便是极具代表性的例证。此作品并未刻意模仿画作中人物的姿态，而是精准把握了画作的精神实质。舞者借助极为缓慢的动作控制，展现出山水画的宁静悠远；通过队形的细微变化，营造出画卷徐徐展开的视觉体验。若仔细观察那些动作，提沉之间蕴含着山峦的起伏之态，圆场之中流淌着水流的蜿蜒之姿，这不正是身韵的体现吗？该作品虽未直接采用身韵的外在形式，却巧妙运用了身韵的内在韵味。这种传承方式较之于直接搬用动作而言，难度更大。因为它要求编导深入理解身韵背后所蕴含的文化内涵，进而以全新的形式将其呈现出来。

3.创新实践

3.1解构与重组

当代编导在进行创新时，最为常见的手法是“解构”，即把传统动作拆解为若干部分，而后进行重新组合。以作品《骏马图》为例，该作品荣获第十三届荷花奖金奖，其灵感源自徐悲鸿的画作。编导田露并未模仿马的外形，而是从身韵中提取出一些核心要素，重新整合为全新的表达形式。观舞者双臂弯肘的姿态，此乃脱胎于身韵中的“立圆”；其顿踏的腿部动作，是由“圆场”演变而来；还有历时长达半分钟的静态造型，是将身韵的“蓄势”予以放大呈现。值得一提的是，这种拆解并非随意为之，编导需心中有数，掌握拆解的尺度，确保拆解至何种程度仍属于“身韵”范畴，若过度拆解，便会变作其他类型的表现形式。这其中的分寸把握，考验的是编导对传统艺术的理解深度。

3.2跨文化的融合

近年来，身韵与现代舞、芭蕾的融合日益增多。代娜的作品在这方面进行了诸多尝试。其作品《半生梦》将身韵的“提沉开合”与现代舞的地面技巧相融合，舞者在转移重心时，始终维持着呼吸的流转。她将此称为“意气脉络”，即意从心生，形于外显。她的另一作品《侠》，把武术的“气”与舞蹈的“韵”相糅合，提出了“以气导力，以势成形”的理念。作品中螺旋推进的队形以及刀势开合的空间处理方式，既非纯粹的古典风格，亦非纯粹的现代风格，却让人深切感受到浓郁的中国韵味。优质的融合并非是将两种事物生硬拼凑，而是促使它们在深层次展开对话。这要求编导对两种表现形式均有深刻的理解，明晰它们各自的界限以及对话的空间所在。

3.3科技手段的介入

运用科技手段拓展身韵的表现空间。舞剧《三岔口》在这方面进行了尝试。该剧借鉴京剧的经典素材，将武戏融入古典舞身韵，同时在舞美设计上采用诸多抽象化手法，借助灯光与多媒体营造出“涉古而不陷古”的意境。此外，动作捕捉、投影互动等技术可将舞者的身韵动作实时转化为数字影像，营造出沉浸式的观演体验。科技的优势在于能使传统艺术以新的形式触达年轻观众。但前提是，科技应服务于艺术，而不能反客为主，淹没舞蹈本身。

4.案例解读

4.1《骏马图》：大写意里的“圆”与“游”

《骏马图》这部作品饶有趣味。其表现对象为马，然而自始至终不见任何对马刻板动作的模仿。编导采用大写意手法，借身韵语言将马的精神展现出来。作品中，“圆”的空间轨迹与“游”的流动韵律反复呈现。舞者们于台上构成各种流动队形，时而聚拢，时而散开，既似一群奔腾之马，又仿若水墨在宣纸上晕染开来。结尾处的集体定格时长达十几秒，那种静止之中蓄积着巨大能量，令人联想到“蓄势待发”一词。

4.2代娜的探索：从《半生梦》到《百花争妍》

代娜系近年来较为活跃的编导，其作品始终致力于探索身韵的当代表达。在《半生梦》中，她运用诸多镜面地台与光影，营造出梦与现实相互交织之空间。舞者的每一次转身、折腰，皆与呼吸节奏紧密契合，“提、沉、开、合”等身韵基本元素，于此化作情感流动之载体。

《百花争妍》是她为央视春晚创作的群舞。她将舞者划分为核心层、中环层、流动层，每一层以不同“气口”及方向运行，形成一种“螺旋回环”的运动逻辑。那些“腕指花径”“身法花势”，既保留个体特色，又统一于整体秩序之中。代娜在采访中表示：“群舞并非单纯的人海，而是气场之统一。”此语颇具见地。

4.3课堂里的创新：高职舞蹈教学的尝试

舞台层面的创新固然重要，课堂领域的创新亦不容忽视。在部分高等职业院校的舞蹈课程中，教师们开始探索一种全新的教学模式。摒弃了以往单纯的“示范-模仿”方式，转而引导学生运用身韵元素进行命题编创。例如，以“圆”的意念为主题，要求学生编排一段体现“周而复始”或“生命轮回”的舞蹈短句；借助“提沉”元素，创作能够展现情绪变化的微型舞蹈作品。这种教学方式突破了传统的“模仿-再现”模式，着重强调“理解-解构-创造”的过程。学生不仅要学习“云手”动作的具体做法，更需深入探究“云手”运动原理能否用于表现现代都市的流线感。通过此类训练，旨在培养具备真正创新能力的应用型专业人才。

5.现存问题及发展思路

5.1现存问题

第一个问题为“符号化”现象。部分作品将身韵视为一种装饰，如同张贴标签一般，在此处添加云手动作，在彼处增添盘腕动作，便认为具备了传统元素。如此运用身韵，实则丢失了身韵的精髓。例如某些晚会舞蹈，为迅速展现“中国风”，直接将课堂组合搬上舞台，动作虽标准规范，但置于作品之中，既无鲜明人物形象，也无具体情境支撑，观之仿若在做体操。观众难以留下深刻印象，仅模糊觉得“哦，这具有中国特色”。此类符号化的过度使用，长此以往会消解身韵真正的艺术价值。

第二个问题是“技术压倒艺术”。当下的舞蹈比赛，有时比拼的是谁能跳得更高、转得更多，而身韵所蕴含的韵味却被忽视。学生能够完成高难度动作，然而对动作背后的文化内涵理解不够深入，表演出来显得空洞无物。在笔者所指导的学生中，有的技术水平颇高，一提“提沉”便能精准完成，但当问及“提沉”与呼吸的关联以及与情感的联系时，却无法给出答案。这种“有形无神”的表演，在舞台上难以打动观众。

第三个问题是“为了创新而创新”。部分作品过度追求与众不同，将身韵拆解到面目全非的程度，最终呈现的成果既非传统风格，也非现代风格，不伦不类。前些年曾看过一部现代舞作品，编导将“云手”动作拆解成零碎片段，让舞者在地面上翻滚着完成，结果令观众一头雾水，既无法看出与古典舞的关联，也未能感受到现代舞的表达意图。这种探索精神固然值得鼓励，但倘若缺乏对传统内核的准确把握，就容易沦为“为了不同而不同”的表面功夫。

5.2发展思路

其一，应推进理论研究。身韵历经多年发展，实践经验颇为丰富，但理论总结尚显不足。需开展更为系统的研究，将那些“只可意会不可言传”的内容阐释清晰、书写明确。例如，对于“劲”的发力方式，能否采用量化方法进行分析？不同流派的风格差异，能否从文化源流中探寻依据？唯有扎实做好这些基础工作，教学与创作方能有坚实根基。

其二，要在教学方面加大投入。既要训练技术，也要学习文化。可增设一些文化理论课程，使学生在学习动作的同时，了解传统美学与传统文化。如此，他们方能明晰自己所跳舞蹈的内涵。笔者所在学校曾尝试将古典文学、书法、太极引入舞蹈课堂，让学生从不同视角体悟“圆”的哲学与“气”的流动。成效显著，学生在做动作时眼神更具神采。

其三，应鼓励跨界合作。促使舞蹈编导与作曲家、灯光设计师乃至科技团队加强沟通，在交流碰撞中激发新的创意。代娜的做法值得借鉴，她在排练时强调音乐、灯光、动作“三线并行”，并反复调整直至三者协调统一。还有编导与书法家合作，将运笔节奏转化为舞蹈动态，创作出的作品既具传统韵味，又有当代特色。

其四，需建立更为科学的评价机制。评判一个作品的优劣，不能仅考量技术难度，还应关注其文化内涵与创新价值。评价标准多元化，创作的途径才能更为宽广。目前，部分比赛已开始调整评分规则，将“艺术表现力”“创新性”置于更重要的位置，这是积极的发展态势。

6.结语

中国古典舞身韵作为中华优秀传统文化的瑰宝，其传承与创新是当代舞蹈创作不可回避的时代命题。它不仅是一套技术体系，更是一种深植于民族文化基因的审美范式与精神内核。在当代舞蹈创作的多元语境下，既要坚守身韵“形神兼备、内外合一”的美学根基，深入挖掘其蕴含的文化精神与哲学智慧，又要勇于打破思维定势，积极探索与当代艺术观念、科技手段及跨文化元素的融合路径。从课堂教学中对“形、神、劲、律”的细致打磨，到舞台创作中对传统语汇的解构与重组，再到评价机制上对文化内涵与创新价值的双重考量，每一步探索都是对身韵生命力的激活。唯有如此，才能让古老的身韵在当代舞蹈创作中焕发出新的光彩，既保持其独特的文化身份，又能与时代同频共振，在世界舞蹈之林中展现中国舞蹈的独特魅力与深厚底蕴，为中国舞蹈艺术的可持续发展注入源源不断的动力。

文章来源：《尚舞》https://www.zzqklm.com/w/wy/26862.html