音感绘画——跨感官的教学新探索

摘要：绘画教育的历史由来已久，从学徒制到传授法的教学模式已有相当丰富的案例，但是传统的教学模式也存在着相对固化的弊端。而音感绘画正是时代推进下的产物，这是一种跨感官的体验式教学，丰富有趣的模式跟当下获取知识的途径十分契合。本文旨在通过对音感绘画萌芽期的梳理与研究，分析艺术视听觉的交互案例，从而探索音感绘画的教学框架和发展前景，进而探讨其对跨学科研究与艺术创新的推动作用。

关键词：音感绘画、教学、跨感官、创新

如果一个艺术家对音乐无感，那大概率会是一个太过理性的存在。理性对于艺术品的创作是趋于后方的因素，没有感性熏陶下的理性无疑是乏味的。英国艺术理论家沃尔特 · 佩特（Walter Pater）曾说：“ All art tends to become music（一切艺术都以趋向于音乐的状态）。 ”[1]早在19世纪，佩特就发现了绘画、音乐、诗歌等多门艺术本质上的共通之处，并留下了上面这句被无数后人引用的著名论述，这也是公认的“最堪玩味的名言”。或许，音感绘画就是一种值得实践的玩法，而寓教于乐也正是新生代的师者更应该具备的一种教育理念，将想法落地于实践，再将实践应用到教学当中。

与音感绘画的结缘契机源于五年前的一场别开生面的个展开幕式，展览的名称为“以月光之名”，是以具备月光感的作品汇聚成一个类似诗歌氛围的现场。在开幕致词完毕以后，开启了一场由素人组合而成的“画外之音”实验创作活动，现场的化学反应触动着每一位观众。自此，我便有了将其作为课题进行深入研究的想法。通过收集和整理，便打开了一种创作的思路，更是丰满了教学的理念。

音感绘画作为一种将听觉与视觉相融合的艺术形式，近年来逐渐受到艺术界的关注。它打破了传统音乐与绘画之间的界限，试图在两种艺术语言之间建立一座可以互通的桥梁，使观众能够在视觉与听觉的双重感知中调动潜在的艺术感受。当艺术指向人们的心灵时，本质上并没有两样。一首美妙的音乐会让你脑海中浮现不同的颜色、形状和画面。一幅富有感染力的绘画，也能让你内心回荡起心灵的乐章。色彩定下主调，线条带出韵律，笔触如音符，无论轻重快慢都是一个个巧妙的节奏感。只需听从内心的跃动，颜色与线条会更加忠实于精神上的反应与决断。以心为媒，触碰跨越音乐与绘画的可能，让艺术的课堂更加多维与饱满。

一、音感绘画的萌芽期

谈到音感绘画，一定绕不开两位著名的抽象艺术家：康定斯基和保罗·克利。1910年，康定斯基所著的《论艺术中的精神》中就阐述了“凡是由内在需要产生并源于心灵的东西就是美的。”[2]作为抽象艺术的先驱，他还提出了颜色与形状对应乐器音色，在他的观念中，绘画艺术和音乐艺术是可以相互交融，相互转换的。其作品颜色跳跃，线条灵敏，这些画面元素就好比音乐乐章中的音符，已在画面上谱写奇妙的乐章。他曾在慕尼黑“蓝骑士（Der Blaue Reiter)艺术团体活动中，将音乐和绘画并列展览，强调两者的共性。康定斯基认为，看作品可以听到音乐的律动，听音乐又可以看见奇妙的画面。正如他自己认为的那样：一种艺术应该向另外一种艺术学习其手法的使用。英国形式主义批评家罗杰•弗莱在看到康定斯基的作品后说：“我不再怀疑这类抽象视觉符号表现情感的可能性，它们是纯视觉音乐的。”[3]

出生于音乐世家的保罗·克利曾多次与康定斯基探讨音乐的视觉表现方式，并将自己在教学和创作中的经验归纳到他的著作《教学笔记》[4]当中，对他而言，音乐与绘画都是他不可或缺的组成部分，在他的作品中时常能找到跳动的音符与流动的旋律。他将对音乐的情感，转换为色彩进行表达，随着音乐的律动，其作品仿佛被赋予了生命力般旋转跳跃。保罗·克利在绘画与音乐之间建立起来的连接，为通感绘画建立了一种可行性，并且是具备了可视化的案例，这对后人的启发不容小觑。

无论是康定斯基还是保罗·克利，他们的艺术探索就好比为我们埋下了珍贵的种子，我们要将前人埋下的种子进行孵化的同时，还需要延续并拓展各种可能性，而教学实践就是其中一种颇具意义的转换。

二、跨感官的艺术案例

是否记得朱自清《荷塘月色》中曾写道：“塘中的月光并不均匀，但光与影有着和谐的旋律，如梵婀玲上奏着的名曲”。[5]在他的笔下，音乐和画面自然转换，通感的运用使得文学上的描述更加生动。伍尔夫的文集《海浪》[6]被称为高度诗意化的作品，没有性格饱满的人物，没有跌宕起伏的故事脉络，看似很平淡的描述却具备十足的后劲。与其说它像是一首诗，不如说它是一首首乐章，有独唱的部分，有和声的互动，更有大合唱的情节。她所描述的正是文字以外的部分，而绘画又何尝不是如此呢？吴冠中的作品《都市之夜》与巴赫的音乐之间就产生着强烈的共振，夜的状态被画家用交响乐敲打出来，此起彼伏，热烈且辉煌，他的画面不禁让人想起歌德所说的“建筑是凝固的音乐”，将音乐与情绪等感性因素融入到原本冰冷的建筑当中，这时，音乐正好在心里响起，观众就此进入了巴赫所创造的音乐天堂。

近日，巴黎皮诺艺术中心展出了法国跨感官装置艺术家Celeste Boursier-Mougenot的作品"clinamen"，以前所未有的规模呈现与安藤忠雄的建筑产生了神奇的化学反应，制造着视觉与听觉相碰撞的惊喜，观众称他的作品是“让眼睛与耳朵一起怀孕”。展览现场有些观众闭着眼睛聆听，有些观众看着池子里的碗而陷入哲思，它像是一首弥漫在人们心间的诗，所有观众反应都是这个作品的一部分，我想，这种跨感官的实验性作品所引发惊喜感也就不言而喻了。

Celeste Boursier-Mougenot的作品"clinamen"于巴黎皮诺艺术中心展出

音乐这一媒介可以说是打开心灵之间沟通的最短路径，它的受众之广远在绘画之上。那么二者的结合无疑是推动艺术生态的重要方式。我曾被“每个人都是自己生命的艺术家。”这句话所触动。近些年，艺术疗愈不断成为热点而受到了大众的关注，其方式通常是音乐、绘画、行为等多种方式调动更多的感官一起间接疗愈某个部分以及激发某种潜能。或许是某种气场的存在，植物在悉心的照料和音乐的氛围下能成长得更好，那么植物人或许也能通过艺术的方式将其唤醒。众所周知，吴超和夏维伦有一个非常有名的艺术疗愈项目——植物人艺术唤醒，个性化跟踪了数位植物人并最终成功唤醒，这也成了许多植物人家属口中的‘灵丹妙药’，他们通过艺术的多维感官激发植物人的潜意识，让他们潜在的神经反应和主观意识得到相应的恢复，他们将一个个典型个案梳理出版的《我们终将被艺术治愈》[7]一书也鼓舞了万千读者。

简而言之，艺术都是相通的，而相通之间所发生的化学反应也是多样化的，那我们试着在把这份碰撞用在教学当中，从而实现真正的落地与传播。

三、音感绘画教学的框架设计

    作为艺术教育工作者，教学的创新是我们时常要思考的课题，让音感绘画走入课堂不仅考验着老师的把控力，更是通过这种沉浸式、互动性和情感共鸣的特点成为激发学生学习兴趣、提升艺术创造力、打破信息茧房的有效方式。该课程一般分为三个阶段推进较为可行。

1）感知阶段

    绘画不一定会出现在每个人的生活里，但音乐一定是无处不在的。音乐是情感的表达，它不仅能直接激发人们内心的喜怒哀乐，更能使人穿越时间与空间，进入某种特定状态，抽离现实无疑是当代语境下强烈的精神需求。研究发现，当听到喜爱的音乐时，大脑会分泌多巴胺，使内心产生愉悦感，从而有效缓解生活压力。当然，不同的音乐就能调动不同的情绪：欢快的音乐充满活力、低沉的音乐陷入忧郁、尖锐的音乐唤醒感知、节奏的音乐调动身体、柔和的音乐点亮故事。这对于音感绘画课程的前期准备十分关键，只有充分地感受，才能有力地输出。

2）转化阶段

   早在1704年，牛顿首次在《光学》[8]中提出一个著名的类比：将七色光谱与七色音阶相对应，他深受毕达哥拉斯学派关于宇宙和谐思想的影响，认为自然界存在普遍存在数学规律，也就是说像七个音符可以组成和谐的乐曲一样，七种颜色组合起来形成了和谐的白光，自此，便引发“音乐色彩化”的思潮。

   在这个基础上，我们不难联想到俄罗斯著名的“音乐革新家”——斯克里亚宾。他有一种独特的“调性色彩”理论，基于他的个人联觉体验，他认为每个音乐调性都对应着某种特定的颜色。而我们在转换阶段需要做的不仅是打破一个音色或音调对应一种颜色的局限性，而且要通过重组和创新某种符号和色彩感受将音乐可视化。不同律动不同节奏的音乐可触发截然不同的视觉表达，成为跨文化理解的媒介。中国艺术家蔡国强不仅将火药爆破的“偶然性”与中国书画的写意精神对接，更是在作品《绘画的精神》中让火药爆破节奏与音乐律动的结合，形成情绪跌宕起伏的视觉史诗。日本"听画"项目显示，音感训练使儿童色彩使用率提升40%，构图多样性显著增加。由此可见，无论是音乐、艺术、教育还是宣传范畴，都对音乐的感受以及视觉联想对有着十分重要的推动力。

3）创作阶段

该课程的创作是一个开放性的实验，也就意味着应该先打破参与对绘画的固有思路，将感受性放在核心位置。那么，以下提到的几种创作思路应适配不用的人群、场域和效用。

①传统手法

在进入创作之前，建议采用不同的乐器、不同音色以及简短的节奏旋律为基础，点亮听者的多重感受。再者，用简单的点、线、面形状对应所听到的声音和律动，让大脑形成一种声音可视化的状态：比如听着爵士乐画出即兴线条；伴着管弦乐绘描绘丰富色块；用古典乐构建严谨构图，让音乐直接引导创作者的手部动作，进行即兴的、无预先构思的绘画创作，身体对声音的本能反应正是这个课程最为宝贵的地方。

②听觉先行

首先佩戴眼罩，暂时关闭视觉，排除既定视线内的物象干扰，以更纯粹的状态感受声音所带来的体会，反复聆听之后便可拿着手中的画笔在纸上留下相应的线条与形状。这个方式可以更为深刻地挖掘感性的表达，且在摘下眼罩时具备惊喜感，给再次推进奠定了更为丰富的可能性。

③拓印旋律

可以采用水墨拓印的方式，根据音乐的节奏和感受，聆听的同时也在水中滴入不同剂量的墨水和颜色以及其他类型的液体，让水的流动和颜色以及材料的呼应形成一种偶然性，过程中也会推向某种创作的方向，在乐曲演奏完毕时方可进行拓印，以便留住对乐曲的实时感受。

④媒介创新

通过AI将音乐生成绘画，让音乐本身给人的感受以更大限度的可能进行拓宽，有效利用科技，并用电子画布进行数字绘画，再通过电子绘画让AI转换成音乐，这时，创作前后的音乐必然存在差异性，在这种反复的感受当中便能探索乐曲和绘画的多种可能。

2019 Berlin Phiharmonic的视觉盛宴，上图依次记录了长号、低音提琴、大提琴、小号、小提琴、双簧管的音频声波所形成的图案

四、结语

纵观美术史，不难发现，康定斯基的作品具备了强烈的色彩和动感的线条，是一场激昂的交响乐；波洛克的作品自由挥洒，线条与色彩的交织与变换，成就了一首即兴演奏的爵士乐；蒙德里安冷抽象的画面表达里充满秩序和和谐，是一首富有韵律的古典音乐；克里姆特画面中华丽的装饰和动感的构图，促成了一场丰富的舞台歌剧；还有赵无极作品中那些翩翩起舞的线条与色块，不正是东方乐曲的演绎之美么？

随着人们对艺术丰富度的追求，音感绘画不论在教育领域还是创作层面都有望受到更多的关注和认可。它不仅可以在艺术展览中独树一帜，吸引更多观众的目光，还可能在教学过程中发挥重要作用，培养学生的跨学科思维和跨感官创造力。

近年来，由于社会压力等原因，心理问题占比明显上升。或许可以将音感绘画作为艺术疗愈的一种方式，形成一个日常的工作坊或许是一个很好的尝试。总之，无论是追求感官盛宴的演奏现场，还是探索精神世界的艺术杰作，都是人们追求深度感受和多元表达的呈现。不仅如此，随着科技的发展，人工智能的完善，数字艺术的兴起，都将会给我们的艺术创作和传播提供更广阔的平台，艺术的呈现也将推向一个更为丰富的维度。

文章来源：《新美域》https://www.zzqklm.com/w/qk/29468.html